Edvard Munch

fra Wikipedia, den gratis encyklopædi
Spring til navigation Spring til søgning
Edvard Munch 1921, fotografi af Anders Beer Wilse

Edvard Munch, signatur.svg

Edvard Munch Klik venligst for at lytte! Spil [ ɛdvɒ: rt muŋk ] (* 12. december 1863 i Løten , Hedmark , Norge ; † 23. januar 1944Ekely i Oslo ) var en norsk maler og grafiker . Ud over mere end 1700 malerier (selisten over malerier af Edvard Munch ) lavede han talrige grafikker og tegninger . Munch anses for at være en pioner for den ekspressionistiske retning inden for moderne maleri. Hans første udstilling i Tyskland forårsagede en skandale (" Fall Munch "). Som et resultat nød han ry som en epokegørende ny skaber i Centraleuropa. I dag er dens karakter og status anerkendt i resten af ​​Europa og i verden.

Munchs billeder fokuserer på mennesker og deres væsentlige følelsesmæssige oplevelser, fra kærlighed til sorg og død. I dem bearbejdede Munch primært selvbiografiske oplevelser og oplevelser. Kunstneren malede gentagne gange vigtige motiver i forskellige versioner, herunder mange af hans hovedværker opsummeret i livets såkaldte frise , herunder Skriget , Madonna , Vampyr , Melankoli , Døden i det syge værelse eller Livets dans .

Liv

oprindelse

Pilestredet 30 i Oslo . Fra 1868 til 1873 boede familien Munch i hus 30A, senere indtil 1875 i 30B (i forgrunden)

Edvard Munch voksede op i den norske hovedstad Oslo , som på det tidspunkt blev kaldt Christiania (fra 1877 Kristiania ). Hans far Christian Munch var en dybt religiøs militærlæge med en beskeden indkomst. Historikeren Peter Andreas Munch var Edvard Munchs onkel.

Munchs far Christian giftede sig med Laura Catherine Bjølstad, en forretningsmands datter, der var 20 år yngre, da han var 44. Den unge kone fødte sin søn Edvard i en alder af 27 år og døde af tuberkulose som 33 -årig, da Edvard var fem. Edvard selv var ved dårligt helbred, men det var ikke ham, men hans storesøster Sophie, der var det næste offer for forbrug . Hans yngre søster Laura var under medicinsk behandling for "melankoli" (ifølge dagens klassifikation, sandsynligvis depression ). Posthum antog lægerne også en borderline personlighedsforstyrrelse (følelsesmæssigt ustabil personlighedsforstyrrelse) med hensyn til Edvard Munch, [1] [2] delvist i forbindelse med en bipolar lidelse (manio-depressiv sygdom). [3] Af de fem søskende (inklusive Edvard) var det kun hans bror Andreas, der giftede sig, men døde få måneder efter brylluppet.

Forældrehjemmet var kulturstimulerende - dog var det indtryk af sygdom, død og sorg, som Munch hovedsageligt vendte tilbage til i sin kunst.

realisme

Selvportræt (1882)
Det syge barn (1885/86)

Efter sin fars anmodning tilbragte Munch et år på teknisk skole og vendte sig derefter med støtte fra sin tante Karen til kunst med stor alvor. Han studerede de gamle mestre , fulgte livstegningstimer på den kongelige tegneskole og modtog for en tid korrektion fra Norges førendenaturforsker , Christian Krohg . Hans tidlige arbejde blev formet af en franskinspireret realisme , og han blev hurtigt bemærket som et stort talent.

I 1885 var Munch i Paris under et kort studiebesøg. Samme år begyndte han at arbejde på sit afgørende arbejde Det syge barn . Her brød han radikalt med den realisme, hvor Christian Krohg fem år tidligere havde malet et lignende motiv. Munch arbejdede længe på maleriet på jagt efter det første indtryk og et gyldigt malerisk udtryk for en smertefuld personlig oplevelse, hans søster Sophies død. Han gav afkald på plads og plastform og avancerede til en ikonlignende komposition . Overfladens grove materialitet viste spor efter den besværlige kreative proces. Kritikken var meget negativ. Ikke desto mindre tog Munch dette motiv op igen og igen gennem hele sit liv.

Formen på hovedværkerne i de følgende år er mindre provokerende. Inger am Strand fra 1889 vidner om Munchs evne til at skildre lyriske stemninger i harmoni med datidens neo-romantiske tendenser. Han malede dette billede i Åsgårdstrand , en lille kystby nær Horten . Den snoede kystlinje , som er så karakteristisk for denne region, kan findes som et meningsfuldt ledemotiv i mange af Munchs kompositioner.

Kristiania-Bohème

Hans Jæger (1889)

I 1889 malede Munch også et portræt af hovedet på Kristianias boheme , Hans Jæger . Munchs omgang med Jæger og hans kreds af radikale anarkister i anden halvdel af 1880'erne blev et afgørende vendepunkt i hans liv og en kilde til intern gæring og konflikt. På dette tidspunkt begyndte hans omfattende biografiske og litterære produktion, som han tog igen og igen i forskellige faser af sit liv. Disse tidlige optegnelser fungerede som et "opslagsværk" til flere af de centrale motiver fra 1890'erne. I overensstemmelse med Jægers ideer ønskede han at formidle sande "nærbilleder" af længslerne og plagerne i det moderne liv - han ville "male sit liv".

Frankrig

I efteråret 1889 havde Munch en stor soloudstilling i Christiania, hvilket fik ham staten for tre på hinanden følgende år en kunstner stipendium tilskud. Paris var den naturlige destination, hvor han i kort tid - sammen med sin ven Kalle Løchen - var elev af Léon Bonnat . Men han modtog de vigtigere impulser ved at orientere sig mod byens kunstneriske liv. På det tidspunkt fandt her et post-impressionistisk gennembrud sted med forskellige anti-naturalistiske eksperimenter, der havde en befriende effekt på Munch.

Kort efter at Munch kom til Frankrig det første efterår, modtog han nyheder om sin fars død. Ensomheden og melankolien i hans maleri Nat i Saint-Cloud (1890) ses ofte på denne baggrund. Det mørke interiør med den ensomme skikkelse ved vinduet er fuldstændig domineret af blå nuancer - et maleri , der minder om Whistlers natlige farveaftaler, men også indfanger “ dekadensen ” i det sidste årti af 1800 -tallet i en selvstændig, moderne vej.

På efterårsudstillingen i Kristiania i 1891 viste Munch blandt andet melankoli . Store, buede linjer og mere homogene farveområder dominerer her - en forenkling og stilisering af motivet relateret til Paul Gauguin og franske syntetister . " Symbolik - naturen er formet af en stemning," skrev Munch.

På dette tidspunkt lavede han de første skitser til sit mest berømte værk Skriget . Han malede også en række billeder i en impressionistisk og næsten pointillistisk stil med motiver fra Seinen , parisiske gader og paradegaden Kristianias Karl Johans gate . Munchs største interesse var imidlertid indtryk fra sjælen og ikke øjenets.

Tyskland

I efteråret 1892 præsenterede Munch resultaterne af sine ophold i Frankrig i Kristiania. Den norske landskabsmaler Adelsteen Normann så denne udstilling og hjalp den dengang ukendte Munch med at få en invitation fra Berlin Art Association . Munchs første udstilling i Berlin fandt sted i “Architektenhaus” på Wilhelmstrasse 92. Den åbnede med 55 billeder den 5. november 1892 og endte med en stor skandale. Offentligheden og de ældre malere opfattede Munchs billeder som anarkistisk provokation, og udstillingen blev lukket i protest den 12. november 1892 på foranledning af Anton von Werner , direktør for Royal University of Fine Arts . [4]

Som et resultat blev Munchs navn pludselig kendt i Berlin, og han besluttede at blive i byen. Han kom ind i en kreds af forfattere, kunstnere og intellektuelle , hvor skandinaver var stærkt repræsenteret. Gruppen omfattede den svenske dramatiker August Strindberg , den polske digter Stanisław Przybyszewski , den norske billedhugger Gustav Vigeland , den danske forfatter Holger Drachmann og den tyske kunsthistoriker Julius Meier-Graefe . De mødtes i Gasthaus Zum Schwarzen Ferkel på Unter den Linden / hjørnet af Neue Wilhelmstrasse og diskuterede Friedrich Nietzsches filosofi , okkultisme , psykologi og den mørkere side af seksualitet.

I december 1893 udstillede Munch Unter den Linden og viste blandt andet seks malerier under overskriften Study for a series: Love . Det var begyndelsen på det, der senere udviklede sig til en livsfrise , "et digt om liv, kærlighed, død". I denne billedcyklus er der stemningsmættede motiver som storm , måneskin og stjerneklar nat , hvor man kan mistænke en indflydelse fra den schweizisk-tyske Arnold Böcklin . Andre motiver som rose og amalie eller vampyr belyser kærligheds natteside. Flere malerier har døden som tema, og det mest iøjnefaldende var Døden i det syge værelse , en komposition, der især afslører indflydelsen fra fransk syntetisme og symbolik. I lyse og samtidig blege farver viser billedet en frossen scene, der kan sammenlignes med en tragisk sidste tableau i et Ibsen -stykke . Dette motiv går også tilbage til erindringen om søster Sophies død og viser hele Munchs familie. Den døende kvinde, der sidder i stolen, vender ryggen til beskueren, men bliver bragt til syne af den figur, Munch selv repræsenterer. Året efter udvidede Munch frisen til at omfatte motiver som frygt , aske , Madonna og Sfinx (kvinden i tre faser) . Sidstnævnte er et monumentalt motiv helt i symbolismens ånd.

Sammen med Meier-Graefe udgav Przybyszewski og andre den første publikation om Munchs kunst i 1894. Han karakteriserede det som "psykologisk realisme".

Tilbage i Frankrig i 1896

Munch forlod Berlin i 1896 og bosatte sig i Paris, hvor Strindberg og Meier-Graefe var blandt andre. Her var han mere og mere opmærksom på grafiske midler. Han var allerede startet med ætsning og litografi i Berlin, nu har han skabt udsøgte farvelitografier og sine første træsnit i samarbejde med den berømte printer Auguste Clot . Munch planlagde også at udgive en portefølje med titlen "Der Spiegel", en grafisk "frise". Takket være sin suveræne beherskelse af midlerne og hans store kunstneriske originalitet nyder Munch ry i en grafisk klassiker i vores tid.

I Paris, han også gjort program plakater til to Ibsen forestillinger på Théâtre de L'Oeuvre , mens kommissionen for at illustrere Baudelaires Les Fleurs du Mal forblev i sin vorden.

Århundredeskiftet

Munchs hus (nu museum) i Åsgårdstrand

Da han vendte tilbage til Norge i 1898, skabte Munch illustrationer til en specialudgave af det tyske magasin Quickborn om tekster af August Strindberg.

Ved århundredeskiftet forsøgte Munch at færdiggøre frisen. Han malede en række nye billeder, nogle i større format og delvist formet af jugendstil . Til det store billede Metabolisme / Metabolisme (1898) lavede han en træramme med udskårne relieffer . Det blev oprindeligt givet titlen Adam og Eva og afslører det centrale sted at Fall of Man myte besat i Munchs pessimistiske kærlighed filosofi. Motiver som Det tomme kors og Golgotha (begge omkring 1900) afspejler en metafysisk orientering i Munchs egen tid og er også et ekko af Munchs barndom og ungdom i et pietistisk miljø.

Et stressende kærlighedsforhold med Tulla Larssen på det tidspunkt opmuntrede Munch til at opleve kunst som et kald .

Tiden omkring århundredeskiftet var en fase med rastløse eksperimenter. En farverig og dekorativ stil manifesterede sig, påvirket af Nabis -kunsten og især en Maurice Denis . I 1899 malede Munch Livets dans , hvilket kan forstås som en dristig og personlig monumentalisering af denne dekorative flade stil.

En række landskabsbilleder har Kristiania Fjord som tema. Disse dekorative og sarte undersøgelser af naturen anses for at være højdepunkterne i den nordiske symbolik. Det klassiske atmosfæriske maleri Pigerne på broen blev malet i sommeren 1901 i Åsgårdstrand.

Succes og krise

Edvard Munch i 1902 i haven til Lindesche Villa i Lübeck . I baggrunden The Age of Brazen af Auguste Rodin .
Selvportræt med vinflaske (1906)

I begyndelsen af ​​det nye århundrede tog Munchs kunstneriske karriere fart igen. I 1902 viste han hele frisen for første gang på udstillingen af Berlin Secession . En Munch -udstilling i Prag blev vigtig for flere tjekkiske kunstnere. Portrætter , ofte i fuld længde, blev gradvist en vigtig del af hans arbejde. Gruppeportrættet De fire sønner af Dr. Max Linde (1903, Museum Behnhaus , Lübeck ) er klassificeret som et stort værk i moderne portrætmaleri . På dette tidspunkt søgte han ofte afslapning i Travemünde og gav Behnhaus maleriet af samme navn ud af solidaritet.

Fauvisterne, ledet af Matisse , delte med Munch mange af hans kunstneriske bestræbelser. Kunstnergruppen Brücke i Dresden viste interesse for Munch, men det lykkedes ikke at vinde ham over for deres udstillinger.

Den kunstneriske succes blev ledsaget af konflikter på et personligt plan. Alkohol var blevet et problem, og Munch var psykisk ubalanceret. Han plagede sig selv med minder om sin tragiske kærlighedshistorie. Forholdet til Tulla var endt i 1902 med en revolverscene, hvor Munchs venstre hånd blev skudt. Det er rigtigt, at han aldrig skulle komme over skammen; men i de år blev det en besættelse. Tullas træk kan spores i blandt andet Marats død (to versioner fra 1907), et motiv, der mere generelt kan siges at skildre “kampen mellem mand og kvinde, som man kan kalde kærlighed”.

Henrik Ibsen døde i maj 1906, og i efteråret lavede Munch scenografier til Max Reinhardts forestilling af spøgelserne i den lille sal i Deutsches Theater Berlin . Til teaterets foyer skabte han også en ny version af hans livsfrise, Reinhardt -frisen, som i dag kan ses i Berlin National Gallery . [5] Siden har Ibsen indtaget en stadig større plads i Munchs bevidsthed: Selvportrættet med en vinflaske fra 1906 viser en slap, faldende figur, der sidder alene ved et bord i en klaustrofobisk café; en tragisk frembringelse, intellektuelt nært beslægtet med Oswald i Ibsens drama.

Efter anmodning lavede Munch et monumentalt fantasiportræt af Friedrich Nietzsche , og under flere besøg i Weimar skildrede han søsteren til den afdøde filosof, Elisabeth Förster-Nietzsche . Nietzsche -portrættet var det eneste portræt, Munch skabte ud fra et fotografi og ikke fra en levende model . I løbet af denne tid portrætterede Munch også grev Harry Kessler og Henry van de Velde . [6]

Mellem 1902 og 1908 opholdt Munch sig hovedsageligt i Tyskland. Malerkommissioner tog ham flere gange til Berlin, Lübeck (1903), Weimar (1904) og Chemnitz (1905). Derefter blev Thüringen med Elgersburg , Weimar, Ilmenau og Bad Kösen (1905/1906) og endelig Warnemünde (1907/1908) dens mere permanente domiciler . Warnemünde skulle være den sidste station i det selvvalgte tyske eksil og tilbød i kort tid kunstneren den fysiske og psykiske afslapning, han ledte efter.

Nye motiver vidner om en mere udadvendt orientering. Bathing Men (1907/1908) hylder muntert den vitale maskulinitet. Alkohol og nervøse problemer nåede imidlertid et kritisk punkt, og Munch besluttede at tilbringe otte måneder på et psykisk hospital i København under tilsyn af Daniel Jacobson . Hans kunstneriske præstation blev endelig anerkendt i Norge, og mens han var i klinikken blev han tildelt den norske Olavs Orden .

Tilbage i Norge

Munch 1933, fotografi af Anders Beer Wilse

Munch boede i Norge fra 1909 til slutningen af ​​sit liv. Først bosatte han sig i Kragerø , en kystby i den sydlige del af landet. Her malede han blandt andet flere klassiske vinterlandskaber og skyndte sig ivrigt ind i konkurrencen om at dekorere den nye festsal på Oslo Universitet , auditoriet .

I 1912 fik Munch en vigtig plads blandt pionererne inden for moderne kunst på den store Sonderbund -udstilling i Köln .

Han lod bygge rummelige udendørs atelierer i Kragerø, hvor han i flere år arbejdede med designet til universitetets auditorium . Efter lange tvister blev Munch endelig accepteret, og hans arbejde blev installeret på stedet i 1916.

Med Munchs egne ord hylder motiverne ”livets evige kræfter”. Baggrundsmotivet, kaldet The Sun , er en solopgang over fjorden , inspireret af udsigten Munch havde fra sin lejede ejendom i Kragerø. Samtidig brugte han det symbolske potentiale for lys her. Modstykker i auditoriet er de store skærme Die Geschichte og Alma Mater . En gammel mand sidder under et mægtigt egetræ i et goldt, ru landskab og fortæller en lille dreng legenden om folket. I et vildt, frodigt landskab sidder en kvinde med et spædbarn på stranden, mens ældre børn udforsker naturen. Bortset fra at de to “ arketypiske ” motiver hentyder til humaniora og naturvidenskab , er de udtryk for det mandlige og kvindelige princip, som er en central kontrast i Munchs billedverden.

Munch dedikerede sig til den nye arbejderbevægelse i flere motiver fra dengang, nogle i monumental form. Maleriet Arbejdere på vej hjem (1913–15) er også en dynamisk undersøgelse af perspektiv og bevægelse. I 1916 erhvervede Munch ejendommen Ekely fra Kristiania. Landskab, mennesker i harmoni med naturen, pløjning af heste er motiver, der nu er afbildet i klare, stærke farver. Et frisk, spontant penselarbejde giver indtryk af en sensuel hyldest til solen, luften og jorden.

På Ekely levede Munch i stadig mere selvvalgt isolation, spartansk, kun omgivet af sine billeder. Han var yderst produktiv. Selvom han var tilbageholdende med at skille sig af med "sine børn", blev billederne lånt til en række udstillinger i ind- og udland.

I senere år malede Munch ofte studier og kompositioner fra modeller. Der er nogle blandt dem, der er mere levende og livsbekræftende end tidligere værker. Og alligevel dedikerede han sig stadig til at undersøge de konfliktbelagte emner fra 1890'erne. Hans grafiske produktion fortsatte med at være betydelig, herunder en række litografiske portrætter. Edvard Munch døde i januar 1944.

plante

Stil og malerstil

Edvard Munch med portrættet af Jappe Nilssen , 1909, maleri af Aksel Waldemar Johannessen

Munch regnes - ofte i forbindelse med van Gogh , Gauguin , Ensor eller Hodler - blandt de "tidlige ekspressionister", forløberne for Fauvisme og ekspressionisme . Fælles for dem er en "udtrykskunst" og deres værks store farvestråling, men også deres ensomhed. Uden eller med lidt akademisk uddannelse og også uden efterfølgende studerende fortæller hendes arbejde primært om en stærk subjektivitet og henvisning til hendes egen biografi. Alle de nævnte kunstnere har skabt betydelige selvportrætter . [7]

Munchs tidlige værker var stadig i traditionen med norsk naturalisme og realisme . I Paris lærte han pointillisme og syntetisme at kende. Hans maleriske temperament og bevægelsesfrihed i hans teknik var stort set upåvirket af disse stilarter. [8] Ifølge Tone Skedsmo eksperimenterede Munch for eksempel kun med de tekniske muligheder, som impressionismen byder på, og afviste alt, hvad der ikke hjalp ham i jagten på en udtryksform, der passede ham. [9] Selv da nye avantgarde-stilarter opstod i det 20. århundrede med kubisme , futurisme og konstruktivisme , holdt Munch sig til et objektivt, figurativt maleri i sit ældre arbejde og adskilte sig bevidst fra den "moderne stil" i abstrakt maleri . [10]

Munch malet fra armen med stor impulsivitet. [8] Han kæmpede ofte virkelig med lærredet, angreb det som en modstander, ridsede, skrabede, stak og skar, arbejdede med overmaling og gennemsigtig permeabilitet. Han vendte ikke tilbage fra inddragelsen af ​​de naturlige elementer, kaldet en " Rosskur ", for at tvinge det naturlige forfald - med risiko for fuldstændig ødelæggelse af værkerne. Munchs samtidige Rolf Stenersen beskrev sådan et møde: ”Det skete, at Munch simpelthen kæmpede med billederne, han angreb dem rasende, rev dem op og sparkede dem. 'Det forbandede billede går mig på nerverne, nu har det været igennem den ene hestekur efter den anden og bliver kun værre og værre. Vær så venlig og bær den op på gulvet, bare smid den ind så langt du kan. '” [11]

Forhold til personlige oplevelser

Ifølge Arne Eggum placerede Munch mennesker og deres holdning til livet i centrum for sin kunst. På den måde greb han til sine egne oplevelser og traumatiske oplevelser og forvandlede dem til arketypiske billeder, der består af hans private symbolik . Ekspressionisme, som Munch forstod det, er således "en ekstremt subjektiv kunst, samtidig med at den bevarer noget originalt og primitivt". Hvor for eksempel Gauguin udforskede det primitive i den menneskelige natur i Tahiti , fandt Munch "sit eget Tahiti i sig selv". Munch indtog subjektivistiske holdninger, der afspejlede sig i Skandinavien i hans tid i Ibsen og Strindbergs litterære værker samt i Kierkegaards filosofi. [12]

Selvportræt i helvede (1903)

Munch stræbte ikke efter et naturbillede, men et symbol på hans sindstilstand. Han beskrev selv: ”Jeg maler ikke fra naturen - jeg tager mine motiver fra den - eller henter fra dens overflod. Jeg maler ikke det, jeg ser, jeg maler, hvad jeg så. Kameraet kan ikke konkurrere med pensler og paletter - så længe det ikke kan bruges i helvede eller i himlen. ”Munch inkluderede også bevidst“ helvede ”af sine egne traumatiske oplevelser. Om hans fysisk såvel som psykisk ustabile tilstand skrev han: ”Jeg vil ikke afvise min sygdom, for min kunst skylder det meget.” Kunsten i sig selv var som en sygdom for ham: ”For mig er maleri en sygdom , en rus. En sygdom, jeg ikke vil slippe af med. En rus, som jeg har brug for. " [13]

Kunst tilbød Munch mulighed for at beskæftige sig med sig selv, men også at formidle sine oplevelser til andre mennesker: ”Gennem min kunst har jeg forsøgt at forklare livet og dets betydning for mig selv. Jeg ville også hjælpe andre med at forlige sig med livet. ”Andre steder skrev han:” Min kunst havde sine rødder i den refleksion, hvor jeg søgte at forklare denne uforholdsmæssighed til livet - hvorfor var jeg ikke som de andre? Hvorfor blev født - noget jeg ikke bad om. Forbandelsen og refleksionen over den blev undertonen i min kunst. Din stærkeste undertone, og uden den ville min kunst være anderledes - Men i refleksionen over den og i udløseren i min kunst var der en trang og et ønske om, at min kunst skulle bringe mig lys - mørke og også lys for mennesker. " [ 14]

Livsfrise og billedcyklusser

Munch sammensatte sine vigtigste værker fra den tidlige kreative periode - billeder som Skriget , Madonna , Vampyr , Melankoli , Døden i det syge værelse eller Livets dans - i den såkaldte livsfrise . Han kaldte de centrale temaer: ”Frisen er et digt om liv, kærlighed og død.” [15] Munchs kunst blev ofte omtalt som “litterær”, især i Frankrig. Maleren selv afviste dette udtryk, som han forstod som en bebrejdelse, ligesom han forsvarede sig mod den nedsættende etiket "tankemaleri". Imidlertid protesterede han altid mod rent dekorativ kunst og foretog en sammenligning med Cézanne : "Jeg malede et stilleben ligesom Cézanne, kun at jeg malede en morderinde og hendes offer i baggrunden." [16] Han sammenlignede andre steder med da Vinci : "Ligesom Leonardo da Vinci studerede indersiden af ​​menneskekroppen og dissekerede lig - sådan forsøger jeg at dissekere sjælen." Mens dapsis obduktion af lig var strafbar, var det i Munchs nærvær "de mentale fænomener, der næsten er betragtes som umoralsk og useriøs at dissekere. " [17]

Der Lebensfries griff den auch von anderen zeitgenössischen Künstlern wie Van Gogh, Klinger oder Klimt verfolgten Gedanken eines Bilderzyklus auf. Er war jedoch auch Munchs Versuch, aus den Einzelaspekten seiner Kunst einen künstlerischen Gesamtentwurf „des modernen Seelenlebens“, wie er es ausdrückte, zu schaffen und damit seine persönliche Erinnerungsarbeit zu transzendieren und künstlerische Autonomie zu erlangen. Auch in seinem späteren Werk hielt er an der Idee eines Bilderzyklus fest und schuf als Auftragsarbeiten den Linde-Fries (1904 für Max Linde ), den Reinhardt-Fries (1907 für Max Reinhardt ), den Freia-Fries (1922 für die Freia-Schokoladenfabrik ) sowie die 1916 enthüllte Dekoration der Aula der Universität von Kristiania mit ihrem zentralen Kopfbild Die Sonne . [18]

Serialität, Grafik und Fotografie

Gemeinsam mit Monet ist Munch auch ein Begründer der seriellen Kunst . Monet ging es hierbei um den äußeren Eindruck eines Motivs, den er in unterschiedlichen Darstellungen einfing, Munch um die wiederkehrende Umsetzung einiger sehr grundlegender Erinnerungen und Erfahrungen. Viele seiner zentralen Bildmotive hat Munch in mehreren Gemälden oder Druckgrafiken umgesetzt, er rang oft über viele Jahre mit ein- und demselben Motiv, für das er immer neue, gültigere Darstellungen suchte. Sein letztliches Scheitern in der endgültigen Vollendung eines Motivs weist auf ein Paradigma der modernen Kunst voraus: die Abkehr vom Ideal eines gültigen Unikats. [19]

Ein wichtiger Schritt hin zur Serialität war Munchs im Jahr 1894 einsetzende Beschäftigung mit der Grafik , die in diesem Jahrzehnt in Frankreich zu neuer Popularität gelangte. Sie nahm bald neben der Malerei einen wichtigen Platz in Munchs Œuvre ein. Munch probierte sich in den unterschiedlichsten Techniken, von der Kaltnadelradierung zur Lithografie und dem Holzschnitt . [20] Dabei ähnelte sein Umgang mit dem neuen Medium dem mit der Leinwand: Er bearbeitete die Druckplatten intensiv, änderte sie immer wieder ab, fügte neue Elemente hinzu, schliff andere Partien ab und kolorierte die Drucke in unterschiedlichen Variationen von Hand nach. Laut Hans Dieter Huber behandelte Munch die Druckplatte „wie eine Art Skizzenpapier“ und suchte wie in seinen Gemälden und Notizbüchern nach immer wieder neuen Ausdrucksmöglichkeiten desselben Motivs. [21]

Nicht nur in seiner Malerei und seinen grafischen Arbeiten war das Experiment mit unsicherem Ausgang ein künstlerisches Konzept Munchs. Er übertrat laut Dieter Buchhart auch regelmäßig die konventionellen Grenzen zwischen den künstlerischen Techniken, sei es der Malerei, Grafik, Zeichnung, Fotografie oder des Films . [10] Im Jahr 1902 erwarb Munch seinen ersten Fotoapparat und erkundete auch in der neuen Technik bildgestalterische Problemstellungen, etwa das Zusammenwirken mehrerer Bildschichten und die Gestaltung von Formen, Schatten und Leerstellen. Gegenstand seiner Fotografien war er häufig selbst, so dass die zu Munchs Lebzeiten nie ausgestellten Werke in neuer Zeit als künstlerische Frühform von Selfies präsentiert werden. [22]

Nachlass

In seinem Testament vermachte Munch seine umfangreiche Sammlung von Bildern und nicht systematisierten biografisch-literarischen Aufzeichnungen der Stadt Oslo. [23] Das 1963 feierlich eröffnete Munch-Museum ( Munchmuseet [24] ) hat folglich heute eine einzigartige Sammlung von Munchs Kunst und sonstigem Material, die sämtliche Phasen des künstlerischen Schaffensprozesses beleuchten.

Die Nationalgalerie ( Nasjonalgalleriet ) in Oslo hat ebenfalls eine erlesene, besonders an zentralen frühen Gemälden reiche Munch-Sammlung. Hauptwerke befinden sich außerdem in der Bergen Billedgalleri in Bergen .

Im Jahr 1964 wurden Arbeiten von ihm auf der documenta III in Kassel in der berühmten Abteilung Handzeichnungen gezeigt. Munch war seit 1906 Mitglied im Deutschen Künstlerbund . [25] [26]

Im Sommer 2004 wurden die Gemälde Der Schrei und Madonna aus dem Munch-Museum in Oslo gestohlen . Zunächst ging die Polizei davon aus, dass vermutlich zwei bis fünf Personen an dem Diebstahl beteiligt waren. Später erhob die Polizei Anklage gegen mehrere Verdächtige, jedoch blieben die Bilder weiterhin verschwunden. Man vermutete, dass sie im Ausland versteckt wurden. Da die Werke am helllichten Tag gestohlen wurden, entwickelte sich im Anschluss an den Raub eine Diskussion um die richtige Sicherung wertvoller Kunstobjekte, die trotzdem einem breiten Publikum zugänglich bleiben sollten. Am 31. August 2006 wurden die beiden Bilder – aus den Rahmen gerissen – von der norwegischen Polizei sichergestellt . Die restaurierten Bilder wurden der Öffentlichkeit am 23. Mai 2008 im Rahmen einer Sonderausstellung wieder präsentiert, wobei auch ein komplett neues Werkverzeichnis Munchs vorgelegt und die Entstehungszeit des Schreis auf 1910 korrigiert wurde. [27]

Ein weiterer Diebstahl von Werken des Malers fand am 6. März 2005 aus einem Hotel im norwegischen Moss statt. Die Täter nahmen zwei Lithografien, die Munch selbst und den Schriftsteller August Strindberg darstellten, sowie ein Aquarell mit dem Titel Das Blaue Kleid mit. Einen Tag später glückte der Polizei die Festnahme der Täter. [28]

Im Jahr 2012 wurde eine der vier Variationen des Gemäldes Der Schrei in New York für 119,9 Mio. Dollar versteigert. Es löste damit das Gemälde Akt mit grünen Blättern und Büste des spanischen Malers Pablo Picasso als das zu diesem Zeitpunkt teuerste bei einer Auktion versteigerte Gemälde der Welt ab. [29]

Werke (Auswahl)


Literatur

nach Autoren / Herausgebern alphabetisch geordnet

Belletristik

Dokumentarfilme

  • Munchs Dämonen. Dokumentarfilm mit szenischer Dokumentation, Deutschland, 2013, 52 Min., Buch und Regie: Wilfried Hauke , Produktion: dmfilm, Radio Bremen , arte , Erstsendung: 15. Dezember 2013 bei arte, Inhaltsangabe von ARD , Besprechung: [31] .
  • Der gespiegelte Blick. Selbstporträts von Edvard Munch. Dokumentarfilm mit szenischer Dokumentation, Deutschland, 2006, 29:22 Min., Buch und Regie: Marita Loosen, Produktion: Bildersturm, WDR , arte , Sendung: 18. Februar 2007 bei arte, Inhaltsangabe von ARD, online-Video.
  • Edvard Munch – Liebe, Tod und Leben. Dokumentarfilm, Deutschland, 2003, 43:30 Min., Buch und Regie: Angelika Lizius, Produktion: Bayerisches Fernsehen , Reihe: Faszination Kunst , Inhaltsangabe von ARD.
  • Edvard Munch . Doku-Drama , Norwegen, Schweden, 1974, 211 Min., Buch und Regie: Peter Watkins , Erstsendung: 12. November 1974 in Norwegen.

Weblinks

Commons : Edvard Munch – Sammlung von Bildern, Videos und Audiodateien
Wikisource: Edvard Munch – Quellen und Volltexte
Wikinews: Edvard Munch – in den Nachrichten

Museen

Verschiedenes

Einzelnachweise

  1. James F. Masterson: Search For The Real Self. Unmasking The Personality Disorders Of Our Age , Chapter 12: The Creative Solution: Sartre, Munch, and Wolfe , S. 208–230, Simon and Schuster, New York 1988, ISBN 1451668910 , S. 212–213, eingeschränkte Vorschau in der Google-Buchsuche.
  2. Tove Aarkrog: Edvard Munch: the life of a person with borderline personality as seen through his art , Lundbeck Pharma A/S, Denmark 1990, ISBN 87-983524-0-7 .
  3. Albert Rothenberg: Bipolar illness, creativity, and treatmernt. In: The Psychiatric quarterly , Band 72, Nummer 2, 2001, S. 131–147, ISSN 0033-2720 , PMID 11433879 , doi:10.1023/A:1010367525951 .
  4. Ulrich Bischoff : Edvard Munch 1863–1944, Bilder vom Leben und vom Tod , Taschen , Köln 2006, ISBN 978-3-8228-6369-5 .
  5. Nikolaus Bernau : Wo hing Munchs „Lebens-Fries“? Zu dem Bau der Kammerspiele und ihrem berühmtesten Schmuck , in: Roland Koberg, Bernd Stegemann , Henrike Thomsen (Hrsg.): Blätter des Deutschen Theaters. Max Reinhardt und das Deutsche Theater , Henschel, Leipzig 2005, ISBN 3-89487-528-3 , S. 65–78, Inhaltsverzeichnis.
  6. Henry van de Velde : Geschichte meines Lebens. In: Digitale Bibliotheek voor de Nederlandse Letteren ( DBNL ), 2008, Munch in Weimar: S. 229; 488, (PDF; 12,37 MB), aufgerufen am 13. Juni 2020.
  7. Felix Baumann, Paul Vogt, Guido Magnaguagno, Jürgen Schultze: Zur Ausstellung . In: Edvard Munch . Museum Folkwang, Essen 1988, ohne ISBN, S. 13.
  8. a b Felix Baumann, Paul Vogt, Guido Magnaguagno, Jürgen Schultze: Zur Ausstellung . In: Edvard Munch . Museum Folkwang, Essen 1988, ohne ISBN, S. 14.
  9. Tone Skedsmo: Rue Lafayette, 1891 . In: Edvard Munch . Museum Folkwang, Essen 1988, ohne ISBN, Kat. 23.
  10. a b Dieter Buchhart : Edvard Munch – Zeichen der Moderne. Die Dualität einer materialbasierten Modernität. In: Dieter Buchhart (Hrsg.): Edvard Munch. Zeichen der Moderne , Hatje Cantz, Ostfildern 2007, ISBN 978-3-7757-1912-4 , S. 11.
  11. Dieter Buchhart : Edvard Munch – Zeichen der Moderne. Die Dualität einer materialbasierten Modernität. In: Dieter Buchhart (Hrsg.): Edvard Munch. Zeichen der Moderne , Hatje Cantz, Ostfildern 2007, ISBN 978-3-7757-1912-4 , S. 11–14.
  12. Zitiert nach: Felix Baumann, Paul Vogt, Guido Magnaguagno, Jürgen Schultze: Zur Ausstellung . In: Edvard Munch . Museum Folkwang, Essen 1988, ohne ISBN, S. 13.
  13. Matthias Arnold: Edvard Munch . Rowohlt, Reinbek 1986. ISBN 3-499-50351-4 , S. 7.
  14. Matthias Arnold: Edvard Munch . Rowohlt, Reinbek 1986. ISBN 3-499-50351-4 , S. 7–9.
  15. Matthias Arnold: Edvard Munch . Rowohlt, Reinbek 1986. ISBN 3-499-50351-4 , S. 43.
  16. Matthias Arnold: Edvard Munch . Rowohlt, Reinbek 1986. ISBN 3-499-50351-4 , S. 42.
  17. Uwe M. Schneede: Edvard Munch. Die frühen Meisterwerke . Schirmer/Mosel, München 1988, ISBN 3-88814-277-6 , S. 19.
  18. Uwe M. Schneede: Edvard Munch. Die frühen Meisterwerke . Schirmer/Mosel, München 1988, ISBN 3-88814-277-6 , S. 21–23.
  19. Philippe Büttner: Auf der Netzhaut der Seele. Edvard Munchs Vermächtnis an die Moderne . In: Dieter Buchhart (Hrsg.): Edvard Munch. Zeichen der Moderne , Hatje Cantz, Ostfildern 2007, ISBN 978-3-7757-1912-4 , S. 38–39.
  20. Matthias Arnold: Edvard Munch . Rowohlt, Reinbek 1986. ISBN 3-499-50351-4 , S. 65–66.
  21. Hans Dieter Huber : Edvard Munch. Tanz des Lebens . Reclam, Stuttgart 2013, ISBN 978-3-15-010937-3 , S. 84–85.
  22. Edvard Munchs Photography bei den Kunstmuseen KODE Bergen .
  23. kai: Das Testament des Malers – Wie Edvard Munch Oslo beschenkte. In: Der Tagesspiegel , 1. November 2005.
  24. Munchmuseet. In: munchmuseet.no .
  25. Bettina Kaufmann: Symbol und Wirklichkeit , 2007, ISBN 978-3-03910-661-5 , S. 57, eingeschränkte Vorschau in der Google-Buchsuche.
  26. Mitglieder ab 1903. In: Deutscher Künstlerbund , aufgerufen am 13. Juni 2020.
  27. Felix Steinbild (fest)/ sda : Munchs «Schrei» restauriert und ausgestellt. ( Memento vom 21. Februar 2009 im Internet Archive ). In: nachrichten.ch , 21. Mai 2008.
  28. rtr: Gestohlene Munch-Werke von der Polizei sichergestellt. In: Die Welt , 9. März 2005.
  29. AFP /sab/pku: Auktions-Rekord: Munchs "Der Schrei" ist das teuerste Bild der Welt. In: Die Welt , 3. Mai 2012.
  30. Swantje Karich: Kunsthalle Bremen. Der Mann bin ich, das Mädchen auch. In: FAZ , 14. Oktober 2011, S. 33.
  31. Michaela Kleinsorge: Warnemünde. „Munchs Dämonen“ werden bejubelt. In: Norddeutsche Neueste Nachrichten , 16. Dezember 2013.