kunst

fra Wikipedia, den gratis encyklopædi
Spring til navigation Spring til søgning
Sebastiano Ricci : Allegory of the Arts 1690–1694

Ordet kunst (latin ars , græsk téchne [1] ) beskriver i vid forstand enhver udviklet aktivitet af mennesker, der er baseret på viden , praksis , opfattelse , fantasi og intuition (helbredende kunst, [2] kunst af ytringsfrihed). I en snævrere forstand navngives resultaterne af målrettet menneskelig aktivitet, der ikke er klart defineret af funktioner. [3] Ifølge Tasos Zembylas er dannelsesprocessen for kunstbegrebet genstand for konstant forandring, der udspiller sig langs dynamiske diskurser, praksis og institutionelle instanser. [4]

Kunst er et menneskeligt produkt af kultur , resultatet af en kreativ proces. [5] Kunstværket er normalt i slutningen af ​​denne proces, men det kan også være processen eller selve proceduren. Ligesom kunsten som helhed er selve kunstværket præget af interaktion mellem indhold og form. [6] Kunstudøvere i snævrere forstand kaldes kunstnere .

Den oprindelige betydning af udtrykket kunst , der i modsætning til naturen kunne referere til alle produkter af menneskeligt arbejde , er bevaret (f.eks. I plastik ). Siden oplysningstiden er kunst imidlertid først og fremmest forstået at betyde de billedkunsters udtryksformer: [7]

Kunstudtryksformer og teknikker [8] er ekspanderet betydeligt siden modernitetens begyndelse, for eksempel med fotografering i billedkunsten eller med etablering af tegneserier som en forbindelse mellem billedkunst og litteraturens narrativitet . I scenekunst, musik og litteratur kan også udtryksformer fra de nye medier som radio, fjernsyn, reklame og internettet tælles i dag. Den klassiske klassifikation har mistet betydning siden de sidste årtier af det 20. århundrede senest. Kunstgenrer som installation eller mediekunstområdet kender ikke længere den klassiske grundklassificering.

Etymologi og ordbrug

Egyptisk mumieportræt , 2. århundrede e.Kr.

Kunst er et tysk ord. Allerede i oldhøjtysk det var kunst (flertal kunsti), i middelhøjtysk kunst (flertal Künste). Oprindeligt kunst kan man Substantivabstraktum til verbet betyder "hvad du har mestret; Viden, viden, mestring ”. Udtrykket " kunst kommer fra evne " er derfor etymologisk korrekt (alt efter ordets oprindelse). Desuden blev "kunst" brugt i lånebetydning for det latinske udtryk ars , f.eks. B. i uddannelseskanonen i de syv liberale kunstarter , i kunsten at leve, kunsten om kærlighed osv. I denne forstand henviser kunst dybest set til alt, hvad mennesker kan gøre, og det, der er skabt af mennesker. Det tilsvarende modbegreb er naturen , som i det daglige par modsætninger naturlige / kunstige .

Siden oplysningstiden har kunst hovedsageligt været brugt i en snævrere forstand som paraplybetegnelsen for æstetik , der opsummerer kunstgenrer ( billedkunst , scenekunst , musik og litteratur ) og deres forskellige stilarter og strømninger. Tilhørende vilkår er f.eks. B. Kunstværk , kunstner , kunstnerisk . [9] Denne artikel uddyber dette udtryk.

Begrebet kunst blev og bruges derfor:

Som en kontrast til naturen
Allerede hos Aristoteles, men især i kølvandet på oplysningstiden og deres nye naturbegreb, forstås kunst (gr. Τέχνη, téchnē ) som naturens modsætning (gr. Φύσις, physis ), som kunstig i stedet for naturlig. I dag bruges præfikskunsten som betegnelse for "ikke-naturlig", det vil sige "kunstig", genstande og materialer: kunstig pels, plast , kunstig blomst , kunstigt hjerte , kunstigt øje osv.
I denne forstand blev alle teknikker, der tæmmet, kontrolleret og gjort brugbare de naturlige elementer vand, ild, damp og jord omtalt som kunst.
Således beskriver vandkunsten i første omgang systemerne til vandforsyning og dræning og senere også springvandssystemer . Damp teknik beskriver anvendelsen af damptrykket for alle former for industrielle teknikker, såsom damp motor . Minekunsten bruges til at udnytte mineralressourcer, og anordninger til flytning af laster omtales som drivkunst i minedrift .
I betydningen viden, erkendelse, indsigt, indsigt
Baseret på antikkens filosofi , eksemplificeret ved "jordemoder" i Sokrates , har udtrykket kunst ikke kun været brugt til at beskrive viden siden 1500 -tallet, men udtrykket bruges også synonymt for filosofi , men også (natur) videnskaber .
Med hensyn til dygtighed , dygtighed , håndværk og håndværk
Det, der var meningen, var færdigheder ("at være færdige" i betydningen "at blive lært") inden for et fagområde samt en helhed af en færdighed ( indhegning , ridning , madlavning , healing , [10] regning , skrivning , levende ) eller aktivitet ( fletning , keramik ), Kunsten at dø som et synonym for en bedemands aktivitet , [11] bevaret som "kunstfærdighed". Disse kunstarter har en negativ konnotation, når de betyder kloge bedrag (tyv, udsmykning, sort kunst , forførelsens kunst eller magi ). Adjektivet "kunstigt" kommer også fra foregivelsernes betydningsfelt.
Med hensyn til kunsthåndværk og kunsthåndværk
Indtil 1700 -tallet blev kunst , baseret på den gamle græske Techne , også brugt som et synonym for udøvelsen af ​​et (teknisk) håndværk, der havde eller havde denne særlige viden (f.eks. Brandkunst til fyrværkeri , [12] vandkunst) , minekunst , havekunst ) Kunst som mesterudøvere havde titlen kunstmester . Denne brug er blevet bevaret i ordsproget "fremstillet i henhold til alle kunstens regler " og i udtrykket arkitektur . I ordet håndværk er i dag stadig det håndværk, der fremstilles ved håndværk . Endelig kan man med Kant fastslå adskillelsen af ​​udtrykkene: ”I snæver forstand er håndværk og kunst nøjagtigt differentieret, selvom der ikke mangler tæt kontakt, endda blanding af de to (jf. Kunst og kunsthåndværk ): kunst skelnes fra håndværk, den første kaldes fri kunst, den anden kan også kaldes lønkunst ”.
Med hensyn til videnskab
Siden oldtiden har videnskabens grundlag været kaldt de syv liberale kunstarter , der består af trivium (med grammatik , retorik , logik ) og quadrivium med regning , geometri , musik , astronomi .
Siden Leibniz har betegnelsen af ​​videnskabelige discipliner været kendt som sprogkunsten (Grammatica), talekunst (Rhetorica), messekunst (Geometria), beviskunst (Logica), moralsk kunst (Ethica), kunst af vision (Optica), dissektionskunst (Anatomia), skæringskunst (Chymia) og andre ”Snart adskiller kunsten sig imidlertid fra videnskaben . Goethe siger: “Kunst og videnskab er ord, der bruges så ofte, og den nøjagtige forskel mellem, der sjældent forstås, man bruger ofte det ene for det andet og foreslår derefter mod andre definitioner: Jeg tror, ​​at videnskab kunne være kendskabet til det generelle kald den tilbagetrukne viden, kunst, på den anden side, ville være videnskab brugt til gerning. Videnskab ville være fornuft og kunst dens mekanisme , hvorfor det også kunne kaldes praktisk videnskab. Og endelig ville videnskaben være sætningen , kun problemet . "
Arkitektur : Frank Lloyd Wright : Fallingwater (1936–39)
Med hensyn til kunst
Kunst i nutidens mest anvendte betydning blev konceptuelt formet primært af Winckelmann , Lessing , Herder , Goethe og Schiller . I deres æstetiske skrifter beskriver de de menneskelige produktioner med henblik på opbygning som kunst , det være sig i teatret , i litteraturen , i musikken eller værkerne af "billedkunstnere", hvortil udtrykket endelig indsnævres. Så kunst er også dukket op som et præfiks for orddannelser som kunstudstilling , kunstværk , kunstauktion osv.

Historien om kunstbegrebet

forhistorie

Venus af Willendorf , ca. 25.000 f.Kr. Chr.

I sin oprindelse er kunst et kultisk fænomen, der udviklede sig på samme tid eller i forbindelse med forhistoriske kulter eller religioner . Maleri og skulptur samt musik og dans dukkede allerede op i paleolitikum. Blandt de tidligste tegn på kunst er de næsten 40.000 år gamle elfenbenfigurer fra Lone -dalen , fløjterne fra Geißenklösterle eller hulemalerierne fra Chauvet -grotten . Historisk set udviklede kunsten sig fra deres bidrag til den materielle organisering af kulter og ritualer . I de tidlige dage af menneskelig udvikling er kunstens fremtoning en af ​​flere indikatorer for dannelsen af bevidsthed og menneskelig tankegang . I denne sammenhæng refererer kunst til aktiviteter eller repræsentationer (f.eks. At lave musik , maleri ), der ikke viser nogen direkte anvendelse til at støtte livet .

I nutidens oprindelige folk kan den tidlige kultfunktion af kunstneriske udtryksformer studeres såvel som en antropologisk konstant: behovet (at pryde), som først udviklede sig i ornament . Sociale funktioner af kunstnerisk eller ornamentisk designede artefakter, såsom spænder, brocher , våben osv. I klansamfund i forhistorie og tidlig historie diskuteres også. Kunst har derfor også fungeret som et kendetegn siden de tidligste tider, som diskuteret af nyere kunstteori og sociologi. Antropologisk markerede kunstproduktionen for omkring 40.000 år siden (i Aurignacia ) overgangen fra Homo sapiens til Homo sapiens intellectus. Da forhistorien per definition er en epoke uden skrift, er der overhovedet ingen traditioner for et nutidigt kunstbegreb.

antikken

Egypten , ca. 1422-1411 f.Kr. Chr.

Fra de tidlige til de sene gamle kulturer, fra det egyptiske gamle kongerige til det klassiske Grækenland til sene Rom , er en overflod af kunstværker bevaret: arkitektur, skulpturer, kalkmalerier og kabaret. Det faktum, at de omtales som sådan, er en anakronisme , for på det tidspunkt, de blev skabt, blev maleri og skulptur ikke betragtet som kunst, men snarere kunsthåndværk , deres produkter som produkter fra kunsthåndværk, men ikke kunstnere. Teatret var allerede veludviklet og respekteret, men det var en væsentlig del af rituelle aktiviteter.

Som fri kunst ( artes liberales ) blev denne viden og færdigheder kaldt i antikken, som skulle være tilgængelig for en fri mand - men ikke for en slave . Martianus Capella (omkring 400 e.Kr.) opdelte i alt syv kunstarter i to grupper: trivialet omfattede grammatik , dialektik og retorik ; quadrivium omfattede geometri , regning , astronomi og musik . Af kunst i moderne forstand var musik den eneste anerkendte kunst i antikken. Lavere håndværk var derimod den mekaniske kunst ("artes mechanicae"), som skulle udføres i hånden, som også omfattede maleri og skulptur . Maleri og skulptur samt helbredelseskunsten (i hippokrates aforismer ) blev også i antikken betragtet som kunst ( téchne eller ars mechanica ) og ikke som ren teknologi ( epistéme ). [13]

Kunstens kontrast (antagonisme), der primært stammer fra sindet , og kunst , der skal laves manuelt, vil manifestere sig anderledes i billedkunsten over 2.000 år, fra Paragone i renæssancen (konkurrencen mellem kunstgenrer, som den ædleste af alle) til tysk idealisme fra 1700 -tallet og dets andel i det moderne kunstbegreb (som kun forstår teknisk evne som et banalt redskab for kunstneren til at udtrykke sin idé) til 1960'ernes konceptkunst , som den kunstneriske idé helt afkoblet fra det eksekverede objekt.

middelalderen

Philosophia et septem artes liberales - Illustration fra Hortus Deliciarum af Herrad von Landsberg (1100 -tallet )

Med omvæltningerne i migrationsperioden opløste det gamle kunstliv i Europa næsten. Det middelalderlige kunstbegreb vedtager skemaet for artes mechanicae samt artes liberales , liberal arts of the (filosofiske) bachelorstudier , som var påkrævet i de tre store fakulteter inden for teologi , jura og medicin .

Billedkunstneren er stadig en håndværker og er organiseret i laug som alle andre erhverv. Som individ optræder han sjældent, underskriften på et værk er usædvanlig. Klient til næsten al kunstnerisk produktion - maleri, skulptur, musik, teater - er Kirken . I mindre grad har det feudale aristokrati også bestilt arbejde . Profane og hellige udtryksformer, billedtyper, musikformer og andre ting dukker op.

Hvis man i antikken stadig repræsenterede et naturalistisk menneskebillede og forsøgte at efterligne naturen så godt som muligt, blev skønhed i middelalderen defineret af det spirituelle (religiøse) indhold i en repræsentation, da det blev anerkendt af scholastikerne som skønheden i Gud, der er i kunsten, bør reflektere.

Tidlig moderne tidsalder

Betydningen af de skønne kunster og arbejde kunstneren ændring i moderne tid med overgangen til et borgerligt samfund: Hvor tidligere værker blev som regel skabt på vegne af kirken og adelen , en ny type modtageren vokser med den uddannede kunst samler. [14]

Denne proces begyndte først i Italien med den tidlige renæssance og fortsatte i hele Europa fra midten af ​​1400 -tallet. Byerne vokser sig stærkere og med dem købmændene, der demonstrerer deres nye position i det feudale samfund med kunst. Kunstneren frigør sig selv, opdager sig selv som et emne og skaber værker, hvis hovedformål ikke længere er repræsentation af en tro eller en prinses magt, men ekspertdebatten om design , udførelse og dygtighed, og kunstneren bliver et erhverv. Sådan opstår meget komplekse ikonografiske billed- og arkitekturprogrammer, som kunstpublikummet skal opklare. En ny litterær genre dukker op: Ekphrasis , kunstlitteratur, skrivning om kunstnere og kunst og kontemplation ("nydelse af kunst") som en del af den kunstneriske hensigt. Den nu autonome kunstner tænker over sin rolle, som bliver offentliggjort inden for billedkunsten i Paragone .

Den "genfødsel", der refereres til i udtrykket renæssance, refererer til den fornyede forbindelse til den klassiske antik , på hvis billede af mennesket og naturen produktionen af ​​kunst er baseret. Profane -værker blomstrer inden for musik og litteratur. Reformationen fremskyndede svækkelsen af ​​den romersk-katolske kirke som kunstnernes vigtigste klient, hvilket blev besvaret i Trento-rådet med et detaljeret modkoncept. Behovet for en katolsk modreformation danner grundlaget for eksplosionen af ​​kunstnerisk produktion inden for musik og billedkunst i baroktiden .

Mens kunstværket stadig blev brugt i begyndelsen af ​​moderne tid til at lære "mærkelige" ting udenad, mistede det denne funktion med den stigende spredning af bogtryk . I den følgende periode opstår problemet med det konstante "tab af nyhed" i kunsten: siden har det været nødt til at overraske igen og igen med nyskabelser. Det bliver dermed et autonomt socialt undersystem. [15]

oplysning

Litteratur: Ludovike Simanowiz : Portræt Friedrich Schiller (1794)

I anden halvdel af 1700- og begyndelsen af ​​1800 -tallet, i oplysningstiden , begyndte de uddannede kredse at diskutere malerier , skulpturer og arkitektur samt litteratur og musik som kunst i ordets moderne betydning. Æstetik blev etableret som en kategori for kvalificering af kunstværker, der adskiller det fra det grimme. Frihed blev et ideal for politik, videnskab og for genrer litteratur og kunst, der gradvist dukkede op som selvstændige områder. Det tekniske aspekt ved kunstnerisk skabelse mistede sin betydning. Med tysk idealisme stod ideen over artefakten. En af de vigtigste forudsætninger for denne proces var sekulariseringen, der accelererede ved begyndelsen af ​​den industrielle revolution .

Differentieringen mellem litteratur og kunst var resultatet af den litterære diskussion, der var startet kort før, som ikke længere omhandlede alle intellektuelle værker, men opsummerede romaner, dramaer og digte som litteratur i ændret betydning af ordet. I et forsøg på at appellere til et større publikum blev begrebet kunst oprindeligt indsnævret til malerier og skulpturer, til objekter, der blev præsenteret og vurderet i aviser og blade - de tidsskrifter, der har eksisteret siden begyndelsen af ​​1700 -tallet. Der opstod et udbredt revisionssystem . Betegnelserne arbejde , original og geni som udtryk for kunstnerens individualitet blev opfundet af Kant . Der blev skelnet mellem indre og ydre billeder. Indre billeder var for eksempel sprog , ideer og ideer , mens ydre billeder var møbler, bygninger eller håndlavede produkter.

I overensstemmelse med frihedstanken er billedkunstneren ikke længere forpligtet over for en klient , men producerer selvstændigt til et nyopstået kunstmarked . På den ene side ændrer dette de temaer, der i stedet for religiøse og mytologiske motiver, portrætter og allegorier nu også indeholder for eksempel beskrivelser fra den fremvoksende industrielle kapitalismes arbejdsverden. På den anden side udvikler individuelle stilarter, som ikke mindst fungerer som varemærker , i moderne termer som et marketinginstrument for de konkurrerende kunstnere. Komponister som Mozart siger også farvel til faste stillinger hos sekulære eller kirkelige fyrster. Denne nye frihed er forbundet med tilsvarende risici, det romantiske billede af den fattige kunstner kombineret med begrebet geni er konsekvenserne.

Moderne

Kunst : Paul Cézanne : selvportræt (1898–1900)

Oplysningstiden forberedte det moderne kunstbegreb . Mens kunstneren i slutningen af ​​middelalderen frigjorde sig til et autonomt emne, frigjorde kunstværket i slutningen af ​​barokfeudalismen sig selv og blev autonomt. I maskinernes tidsalder, arbejdsdeling og automatisering ændredes status for håndværksaktivitet inden for kunst. Kunst eksisterer ikke længere i funktionelle sammenhænge, ​​men bliver af sig selv til L'art pour l'art . De kunstformer, der forbliver i funktionelle sammenhænge, ​​er konstitueret under det nye paraplybegreb brugskunst for kunst og håndværk.

Mens de stilistiske epoker i stilistikken efterfølgende blev føjet til den respektive kunstneriske skabelse, former kunstnerne nu selv deres kategorier i samspil med den nyligt fremkomne kunstkritik . De mange ismer , hvoraf nogle opstår parallelt, er nu mere kortsigtede stil vilkår end epoke begreber.

Kvinders betydning i kunsten stiger.

Med starten af moderniteten, den antagonisme af mod- modernisme begynder på samme tid. Har været i oplysningstiden, kun kunstens adressater i en meget lille kreds (gejstligheden, adelen, det rige borgerskab), derefter udvidede publikum sig med fremkomsten af ​​frit tilgængeligt kunstmarked, organiseret for at promovere det offentlige udstillinger ( saloner ) og Debatter i pressen om kunst, massepubliceret litteratur osv. Åbnede sig betydeligt. På samme tid koncentrerede den kunstneriske debat sig både inden for billedkunst såvel som i musik og litteratur i stigende grad om at undersøge de betingelser, den blev skabt under. I det omfang kunsten selv blev temaet ( meta-art ), mistede den interessen for de brede klasser, som den faktisk ville lede som avantgarde .

Hvis konflikter om kunst tidligere forblev interne og for eksempel var af patriotisk karakter (florentinsk disegno versus venetiansk farve ) eller et spørgsmål om smag (rubenister kontra poussinister, kontrovers mellem Anciens et Modernes osv.), Er hele dele af samfundet nu nægter at acceptere sin tids kunst. En kontramodernisme udvikler sig, som søger sine udtryksformer i forskellige stilarter, der er i modsætning til moderne kunst - f.eks. B. gennem nyklassisk , anden historisk eller bevidst anakronistisk orienteret kunst. Dette kan forstås som en protest mod principperne for moderne eller samtidskunst.

Ærekrænkelsen af ​​moderne kunst under nationalsocialismen gik langt ud over denne protest, der forsøgte at ramme den klassiske modernisme som helhed med slagordet degenereret kunst og pålagde såkaldt tysk kunst med brutale midler: gennem professionelle forbud, hånlige præsentationer som i udstillingen "Degenerate Art" , Op til mordet på jødiske kunstnere i Holocaust . Fra november 1936 opløstes naziregimet gradvist alle kunstafdelinger fra begyndelsen af ​​det 20. århundrede på tyske museer. I Sovjetunionen opstod den avantgarde konstruktivisme og suprematisme , som stadig blev opfattet som revolutionær , i 1920'erne. Med begyndelsen af stalinismen fik den antimoderne refleks overhånd og førte til socialistisk realisme inden for litteratur, billedkunst og musik.

Tilsvarende de politiske modsætninger efter totalitarismens fase siden 1930'erne udviklede forskellige strømninger sig i den moderne tidsalder sidst i 1950'erne som en moderne modstandsbevægelse eller post-avant-garde i 1960'erne, både i kredse i Veste- og Østeuropa vendte sig imod og nægtede at standardisere som følge af den kolde krig og stalinisme i Sovjetunionen. De fulgte videre fra traditionen med salonerne i den tidlige moderne æra i metropolerne, men havde en fortsat og forbindelsesformidlende funktion. Da krigene brød ud i Europa og Asien i løbet af 1930'erne og 1940'erne, tog de kun begrænset fart som følge af statsreorganiseringen i 1950'erne.

Denne tvangsundertrykkelse af moderne kunstarter, som staten har frembragt, kan imidlertid ikke sidestilles med utilfredshed hos nogle dele af befolkningen med samtidens kunstneriske udtryksformer (især inden for arkitektur). En sammenstilling af forskellige stilarter er bredt accepteret i dag og skaber en stor kunstnerisk rækkevidde i nutidens globale kultur , der ofte forstås som liberalistisk og samtidighedens paradigme, forårsaget af dagligdagens tekniske digitalisering.

Postmoderne

Konceptuel kunst : kunst og sprog : spejlstykke (1965)

Det postmoderne kunstsyn sætter delvist spørgsmålstegn ved ideerne om frihed, originalitet og ægthed, bruger bevidst citater fra andre kunstnere og kombinerer historiske og samtidige stilarter, materialer og metoder og forskellige genrer af kunst . Kunstbranchen og udstillingsstederne stilles spørgsmålstegn ved et metaniveau ( hvid terning ) . Grænserne mellem design , popkultur og subkultur på den ene side og højkultur på den anden side udvisker.

Samtidskunst , [16] samtidskunst og lignende kollektive termer omfatter samtidskunst kun på en meget generel måde. Udtrykket kunstnerisk avantgarde er blevet forældet for kunst, der er opstået siden postmodernismens begyndelse [17] , da der i åbne samfund og kulturer sandsynligvis ikke kan være nogen generelt bindende retning for en fortrop eller for pionerer. Derfor bruges udtrykket "samtidskunst" også til at beskrive kunstneriske værker, ruminstallationer eller procesbaserede handlinger, der gør noget så synligt i nutiden, at det vil have en kulturelt væsentlig effekt i fremtiden. Kunst, der er fri og nutidig i denne forstand tilsyneladende ignorerer alle forhold, akademiske regler og klassifikationer, alle kunststile, kunstgrene og kulturelle grænser, samtidig med at det tager friheden til at reflektere over, bearbejde og bruge citater efter kunstneriske behov .

Sådan kunst repræsenterer et kunstsystem [18], der stammer fra interaktionen mellem flere instanser, diskurser, institutionelle aktører og etablerede praksis. [19] Samtidskunst som et globalt og interkulturelt fungerende system forener oprindelsen i forskellige kulturer, kunsthistorie som kunstens teoretiske fundament, hvorved gammel filosofi fortsat er særlig vigtig som et historisk grundlag for den occidentale kunsttradition. Auch zeitgenössische Kunst lässt herkömmliche Einteilungen, wie Malerei, Bildhauerei, Tanz, Musik, Theater usw. durchscheinen, zeichnet sich jedoch gerade durch ihre Thematisierung, Infragestellung, Überwindung, Erweiterung, interdisziplinäre Integration und Ironisierung aus. Heute stehen Fotografie , Videoprojektion und Video-Installation , Environment , Rauminstallationen, Happening und Performance neben Malerei und Theater, während die Medienkünste , darunter die Kinetik und Lichtkunst ua sich ohnehin so verorten, wie es jeweils mediengerecht und sachdienlich erscheint.

Parallel zu dieser Entwicklung wurde Anfang der neunzehnhundertsiebziger Jahre die Schnittstelle zwischen den zu diesem Zeitpunkt weitgehend getrennten Medien, im engen Verständnis des Kunstbegriffes, zwischen Malerei und Fotografie kunsthistorisch relevant durch Arbeiten der Fotokünstler Pierre Cordier ( Chimigramme ), Paolo Monti ( Chemigramm ) und Josef H. Neumann ( Chemogramme ) geschlossen. Die Chemogramme von Josef H. Neumann schließen 1974 die Trennung von malerischem Grund und fotografischer Schicht, indem er sie, in einer bis zu diesem Zeitpunkt nie dagewesenen Symbiose, als nicht verwechselbares Unikat in gleichzeitiger malerischer und realer fotografischer Perspektive innerhalb einer fotografischen Schicht in Farben und Formen vereint. [20]

Ähnlich wie in der Wissenschaft erschließt sich das umfassende Verständnis der möglichen Bedeutungen von Werken und Arbeiten oft erst durch eingehende Beschäftigung mit dem künstlerischen Gegenstand. Es wird in verschiedenen Kontexten interpretiert, die sich je nach Betrachter und Leser, je nach Publikum und den in das Geschehen Einbezogenen, sowie je nach Interessen der Kritiker und anderen professionellen Vermittlern wandeln und unterscheiden. In der Kunsttheorie wird der zeitgenössische Kunstbegriff intensiv diskutiert. Sie stellt dabei künstlerische Praktiken, Prozesse, Institutionen und Akteuren (Künstler, Rezipienten , Manager, Investoren/Käufer, …) sowie die Kunstwerke selbst ins Zentrum der Untersuchung. [21]

Voraussetzungen und Funktionen

Mit der Frage, welche biologischen Grundlagen das Kunstbedürfnis des Menschen hat, bzw. welche psychologischen, soziologischen, ökonomischen und politischen Funktionen Kunst für den Menschen und die Gesellschaft hat, beschäftigen sich die Biologie , die Kunstsoziologie , die Psychologie , die Rechtswissenschaft und die Kulturwissenschaften im Allgemeinen.

Biologie

Ein Bild des Schimpansen Congo

Die rasante Entwicklung der Biowissenschaften hat dazu geführt, dass auch höhere kognitive Leistungen des Menschen in den biologischen Disziplinen untersucht werden. Davon sind auch das künstlerische Gestaltungsbedürfnis und die ästhetischen Empfindungen nicht ausgenommen. Biologische Untersuchungen mit Bezug auf die Kunst finden insbesondere in der Evolutionstheorie und der Neurowissenschaft statt.

In der Evolutionsbiologie werden Verhaltensweisen in der Regel über einen Selektionsvorteil erklärt. Konkret bedeutet das, dass kunstbetreibende und kunstschätzende Menschen mehr Nachkommen zeugen müssten als die anderen. Ein derartiges Erklärungsmuster scheint in Bezug auf Kunst nicht unmittelbar einsichtig. Dennoch finden sich Kunstformen in allen historischen Epochen und Kulturbereichen, was darauf hinweist, dass ein Kunstbedürfnis biologisch gegeben und nicht allein ein Ergebnis sozialer Prägung ist. Für die biologische Verankerung des Kunstbedürfnisses können mehrere Erklärungen angeboten werden. Am wahrscheinlichsten ist die Kunst als Auswahlkriterium für die Partnerwahl. Die menschliche Evolution ist durch eine Zunahme des Gehirn volumens und damit der kognitiven Fähigkeiten geprägt. Die Fähigkeit, Kunst zu produzieren, ist ein von außen erkennbarer Hinweis auf Kreativität , welche auch in anderen Bereichen zu kreativen Lösungen führen kann. Menschen, die Zeit für Kunst hatten, hatten keine Probleme, die täglichen Bedürfnisse nach Nahrung und Sicherheit zu stillen, denn wer neben dem Alltag noch Reserven für primär sinnfreie Tätigkeiten wie Kunst hat, stellt damit seine Überlebensfähigkeit dar. Der Mensch als soziales Wesen hat viele Mechanismen entwickelt, um seine sozialen Gemeinschaften zu stärken. Auch die Kunst kann als Spender gruppenspezifischer Traditionen und Werte menschliche Gemeinschaften stützen.

Eine andere Hypothese geht davon aus, dass das Kunstbedürfnis ein Nebenprodukt ( Epiphänomen ) der Entwicklung anderer überlebensrelevanter, kognitiver Leistungen ist. Die Vorteile dieser kognitiven Fähigkeiten müssten demzufolge die Nachteile des Kunstbedürfnisses (Zeit, Material) übersteigen.

Eine Bestätigung soziobiologischer Theorien durch Experimente ist nicht durchführbar, da Kreuzungsexperimente mit Menschen ethisch nicht vertretbar sind. Die Theorien müssen deshalb spekulativ bleiben. Insbesondere die Abgrenzung zum Kunstbedürfnis als Produkt der kulturellen Evolution ist schwierig.

Psychologie und Neurowissenschaften

In der Psychologie wird der gestalterische Aspekt von Kunst durch die Kreativitätsforschung untersucht, der Wahrnehmungs- und Bewertungsaspekt durch die experimentelle Ästhetik .

Der Wert von Kunst wird zumindest in weiten Teilen im Ausdruck von Gefühlen gesehen. [22]

Die Bewertung eines künstlerischen Werks unterliegt unterschiedlichen Faktoren. Zum Beispiel führen Charakteristika des bewertenden Individuums (wie seine Persönlichkeit und sein Geschmack ) zu unterschiedlichen Präferenzen. Eine Studie von über 90.000 Personen zeigte, dass Persönlichkeitsmerkmale , wie Offenheit für Erfahrung , starke Korrelate der Präferenzen für bestimmte Gemälde und für das Genießen von Besuchen in Kunstgalerien sind. [23]

Die Bewertung von Kunst ist über verschiedene Epochen hinweg weder völlig übereinstimmend, noch völlig unabhängig voneinander: Bei der Bewertung des Lebenswerks von Renaissance -Malern durch Kunsthistoriker aus über 450 Jahren beträgt der Grad der Übereinstimmung zwischen den Beurteilungen ungefähr W = 0,5 (mögliche Werte: 0 bis 1). [24]

Es zeigte sich, dass der Zeitgeist ebenso wie objektive Eigenschaften eines Werks, die nicht dem Zeitgeist unterliegen, eine Rolle für die Bewertung spielen. So wurde in einer Untersuchung von 15.618 Themen aus der klassischen Musik die Bedeutung der objektiven Merkmale und des Zeitgeists untersucht. Sowohl die musikalische Originalität eines Themas relativ zu seinen zeitgenössischen Werken (dem Zeitgeist) als auch seine „absolute“ Originalität trugen in ähnlicher Größenordnung zur Popularität eines Themas bei. [25] Ähnliche Ergebnisse konnten auch für sprachliche Originalität gezeigt werden. [26]

Auf biologischen Grundlagen stützen sich die Neurowissenschaften bei der Erforschung des Kunstbedürfnisses. Ziel ist dabei die Zuordnung künstlerischen Schaffens zu neuronalen Prozessen oder zu unterschiedlichen neuronalen Arealen . Hinzu kommt die enorme Heterogenität künstlerischer Aktivität. Sie führt dazu, dass verschiedene künstlerische Leistungen sich mit unterschiedlichen neuronalen Prozessen korrelieren lassen.

Psychoanalyse

Sigmund Freud sah in der Kunst – wie in jeder kreativen Tätigkeit – eine Möglichkeit, den Trieb der Libido auf nicht-sexuelle Weise zu sublimieren .

Der Kunstbegriff in umfassender Bedeutung

Es gibt die schönen Künste, aber auch die Ingenieurskunst, die Kunst der Rede oder der Diplomatie, den Ballkünstler, und auf sehr vielen Gebieten den Künstler in seinem Fach. Was ist, in dieser umfassenden Bedeutung, aller Kunst gemeinsam – und was unterscheidet dann die Künstler in den jeweiligen Fächern voneinander? Kunst in diesem sehr weiten Sinn ist eine kreative Tätigkeit (und deren Ergebnis), die mit höchster Effizienz ausgeübt wird; dass also, gemessen an den eingesetzten Mitteln, mit dem Ergebnis eine möglichst große Wirkung erzielt wird. Bei vergleichbarer Wirkung erfährt nicht der höhere, sondern der vergleichsweise maßvollere Aufwand die höhere Wertschätzung als Kunst. Das bedeutet jedoch nicht, dass das Instrumentarium nur einfach und bescheiden sein müsste oder dass es für den Künstler immer einfach ist, zur einfachsten Lösung eines Problems oder zu den wirkungsvollsten Ausdrucksmitteln zu gelangen.

Die einzelnen Formen von Kunst unterscheiden sich aber in der Art der Wirkung, und diese hängt vom Sachgebiet ab. Das Ziel der Ingenieurskunst ist z. B. die tragfähige und solide Brücke, das Wesentliche am Essay ist die scharfsinnige Analyse, der Schwerpunkt der schönen Künste liegt vorwiegend im Wecken und Anregen von Gefühlserlebnissen. Man kann viele Tätigkeiten als Kunst im weitesten Sinn ausüben; die Kriterien dafür sind Kreativität und Effizienz.

Rechtliche Stellung

Kunst ist eine Erscheinung in jeder Kultur, Gegenstand sozialer Konventionen und – sofern eine Gesellschaft ein Rechtswesen entwickelt – ein Objekt der Gesetzgebung . In demokratischen Ländern ist das Recht auf Kunstfreiheit entweder in der Verfassung verankert oder im Rahmen der Meinungsfreiheit garantiert. In Staaten mit anderer politischen Organisation wird die Kunstausübung häufig reglementiert und/oder zu Propaganda zwecken instrumentalisiert. Diktaturen setzen Kunst häufig gezielt dazu ein, das jeweilige Regime zu stabilisieren. Freier künstlerischer Ausdruck wird einer Zensur unterworfen und mit Repressionen bedroht, oder ihnen tatsächlich ausgesetzt. Aufgrund derartiger Repressionen produzieren Künstler dann kritische Werke nicht ( Schere im Kopf ), veröffentlichen sie nicht, oder gehen in eine innere Emigration . Einige Künstler verinnerlichen die staatlichen, sozialen und/oder religiösen Anforderungen und produzieren – aus Überzeugung oder aus wirtschaftlichen Zwängen – affirmative Werke.

Plagiate , Imitate und stark von anderen Künstlern beeinflusste Werke gab und gibt es in jeder Phase der Kunstgeschichte. Wenn der Produzent seine Vorlagen verbirgt, ist dies als Kunstfälschung ebenso strafbar, wie eine Verletzung des Urheberrechts . Um eine solche Verletzung rechtlich fassbar zu machen, werden vom Gesetzgeber Kriterien eingeführt, die im Kunstbetrieb selbst keine Rolle spielen. So kann aus der Sicht des Urheberrechts ein Künstler ein Werk beispielsweise erst dann als sein Eigentum bezeichnen, wenn es eine ausreichende Schöpfungshöhe erreicht hat. Diese setzt eine persönliche, individuelle und geistige (menschliche) Schöpfung voraus, welche eine durch die menschlichen Sinne wahrnehmbare Form besitzt ( siehe Werkbegriff des Urheberrechts bzgl. der Schöpfungshöhe ).

Die Kunstfreiheit ist in Deutschland ein durch Art. 5 Abs. 3 Grundgesetz [27] geschütztes Grundrecht . Kunstwerke selbst können einerseits als Kulturgüter rechtlichen Schutz durch nationale und internationale Bestimmungen und Organisationen ( UNESCO , Blue Shield etc.) genießen beziehungsweise andererseits auch rechtlichen Beschränkungen (Ausfuhrverbote etc.) unterworfen sein. [28]

Siehe auch

Portal: Kunst und Kultur – Übersicht zu Wikipedia-Inhalten zum Thema Kunst und Kultur
Portal: Bildende Kunst – Übersicht zu Wikipedia-Inhalten zum Thema Bildende Kunst

Literatur

Kunst und bildende Kunst allgemein

Romantik

Kunst und Arbeitswelt

  • Friedrich Schnack: Die Welt der Arbeit in der Kunst. Schuler Verlagsgesellschaft, Stuttgart 1965, DNB 454419473 . (Kunst aus 38 Museen und Sammlungen in Europa, Russland und den USA – mit dem zeitlichen Schwerpunkt vom Merkantilismus bis zum Industriezeitalter )

Außereuropäische Kunst

  • Clifford Geertz : Dichte Beschreibung. Beiträge zum Verstehen kultureller Systeme. Frankfurt am Main 2002.

Kunst und Politik

Philosophische Ästhetik und Kunstpraxis

Weblinks

Commons : Kunst – Album mit Bildern, Videos und Audiodateien
Wikibooks: Kunst – Lern- und Lehrmaterialien
Dateikategorie Dateien: Kunst – lokale Sammlung von Bildern und Mediendateien
Wikiquote: Kunst – Zitate
Wikisource: Kunst – Quellen und Volltexte
Wikiversity: Annäherung an eine Kunstdefinition – Kursmaterialien
Wiktionary: Kunst – Bedeutungserklärungen, Wortherkunft, Synonyme, Übersetzungen

Einzelnachweise

  1. ↑ Klaus Bergdolt : Bildende Kunst und Medizin. In: Werner E. Gerabek , Bernhard D. Haage, Gundolf Keil , Wolfgang Wegner (Hrsg.): Enzyklopädie Medizingeschichte. De Gruyter, Berlin/ New York 2005, ISBN 3-11-015714-4 , S. 177 f.
  2. ↑ Sönke Drewsen: Medizin – Wissenschaft oder Kunst? In: Würzburger medizinhistorische Mitteilungen. 7, 1989, S. 45–54.
  3. ↑ Niklas Luhmann : Die Kunst der Gesellschaft. Suhrkamp, Frankfurt am Main 1995.
  4. ↑ Tasos Zembylas: Kunst oder Nichtkunst: Über Bedingungen und Instanzen ästhetischer Beurteilung. Wien, 1997, ISBN 3-85114-315-9
  5. ↑ Stephen Farthing (Hrsg.): Kunst. Die ganze Geschichte . DuMont, Köln 2011, ISBN 978-3-8321-9385-0 (englisch: Art. The whole story . Übersetzt von Jens Asthoff).
  6. ↑ Kunst , Artikel im Onlinelexikon wissen.de , Konradin Mediengruppe , Leinfelden-Echterdingen.
  7. ↑ Brockhaus Enzyklopädie . 21. Auflage. Band 16, Brockhaus, Leipzig 2006, ISBN 3-7653-4116-9 , S. 93–94.
  8. ↑ Kunstlexikon Kunststile, Epochen & Events. Hatje Cantz.
  9. ↑ Kunst. In: Brockhaus. 21. Auflage. Band 16, 2006, S. 93–94.
  10. ↑ Jutta Kollesch , Diethard Nickel : Antike Heilkunst. Ausgewählte Texte aus den medizinischen Schriften der Griechen und Römer. Philipp Reclam jun., Leipzig 1979 (= Reclams Universal-Bibliothek. Band 771); 6. Auflage ebenda 1989, ISBN 3-379-00411-1 , S. 187, Anm. 1 (zur Medizin als Kunst im Sinne von griechisch téchne mit dem Aspekt Kunstfertigkeit, der technischen Beherrschung eines Faches).
  11. ↑ Johann Paul Wolf: Die Feuerkunst als ein Bildniß der Sterbekunst: Bey Christlicher und ansehnlicher Leichbestattung. 1693. Google-Books
  12. ↑ Wolffgang Augustin Mayer: Lust- Lufft- und Feuer Kunst: auss welcher ohne sondern Costen und Mühe zuerlangen, wie man Schwürmer, gross- und kleine Ragetten, Pumpen und Masculen Stöcke, gross- und kleine, auch Ragetenwerffende Wasser-Kugeln, mit unterschiedenen Absätzen und Umbgängen, bereiten und zurichten solle. : Sambt denen beygefügten allerhand Materien, und ihren zusammen gesetzten ordenlichen Dosen, Gewichten und Massen. : Wie solches alles punctualiter auss denen beygefügten und vorgedruckten 38. Figuren zuersehen und zu erlernen. : Allen Liebhabern, und den Drähern sehr nutzlich. in Verlegung Mattheus Schultes, 1680 (Google-Books)
  13. ↑ Klaus Bergdolt: Bildende Kunst und Medizin. 2005, S. 177.
  14. ↑ Epochencharakter der Frühen Neuzeit: Fakultät für Geschichte und Kunst – Universität Leipzig
  15. ↑ Niklas Luhmann: Die Kunst der Gesellschaft. Frankfurt a. M. 1995.
  16. ↑ Informationen zu Zeitgenössische Kunst, Akademie X: Lessons in Art + Life im Katalog der Deutschen Nationalbibliothek .
  17. ↑ Peter Bürger: Theorie der Avantgarde (1974) . Wallstein Verlag, Göttingen 2017, ISBN 978-3-8353-3119-8 .
  18. ↑ Umstritten ist, inwieweit es sich um ein „selbstbestimmtes“ System handelt oder ob nicht auch der Kunstbetrieb und damit das „System Kunst“ vor allem ökonomischen Kriterien unterliegt. Vgl. z. B. Piroschka Dossi: Hype! Kunst und Geld. dtv, München 2007.
  19. ↑ Tasos Zembylas: Kunst oder Nichtkunst: Über Bedingungen und Instanzen ästhetischer Beurteilung. Wien, 1997, S. 15.
  20. ↑ Hannes Schmidt: Bemerkungen zu den Chemogrammen von Josef Neumann. Ausstellung in der Fotografik Studio Galerie von Prof. Pan Walther. In: Photo-Presse. Heft 22, 1976, S. 6.
  21. ↑ Tasos Zembylas : „Teil II: Kunstbegriffe“, in: Kulturbetriebslehre. Grundlagen einer Inter-Disziplin. Wiesbaden, 2004, S. 117–219, sowie Tasos Zembylas (Hg.): Artistic Practices. Social Interactions and Cultural Dynamics. London, 2014.
  22. ↑ Neill, A.: Art and Emotion . In: Levinson, J. (Hrsg.): The Oxford Handbook of Aesthetics . Oxford University Press, Oxford 2003, S.   421–435 .
  23. ↑ Tomas Chamorro-Premuzic, Stian Reimers, Anne Hsu, Gorkan Ahmetoglu: Who art thou? Personality predictors of artistic preferences in a large UK sample: The importance of openness . In: British Journal of Psychology . Band   100 , Nr.   3 , August 2009, ISSN 0007-1269 , S.   501–516 , doi : 10.1348/000712608x366867 ( wiley.com [abgerufen am 3. Mai 2018]).
  24. ↑ Victor Ginsburgh, Sheila Weyers: Persistence and fashion in art Italian Renaissance from Vasari to Berenson and beyond . In: Poetics . Band   34 , Nr.   1 , Februar 2006, ISSN 0304-422X , S.   24–44 , doi : 10.1016/j.poetic.2005.07.001 ( elsevier.com [abgerufen am 21. September 2018]).
  25. ↑ Dean K. Simonton: Thematic fame, melodic originality, and musical zeitgeist: A biographical and transhistorical content analysis. In: Journal of Personality and Social Psychology . Band   38 , Nr.   6 , S.   972–983 , doi : 10.1037/0022-3514.38.6.972 ( apa.org [abgerufen am 5. Februar 2018]).
  26. ↑ Sven Form: Reaching Wuthering Heights with Brave New Words: The Influence of Originality of Words on the Success of Outstanding Best-Sellers . In: The Journal of Creative Behavior . ISSN 2162-6057 , S.   n/a–n/a , doi : 10.1002/jocb.230 ( wiley.com [abgerufen am 5. Februar 2018]).
  27. ↑ Die Grundrechte (Art. 1 – 19) dejure.org
  28. ↑ Vgl. Arnold Nesselrath "Ohne Kunst keine Identität" in SZ vom 26. Juli 2015.
Abgerufen von „ https://de.wikipedia.org/w/index.php?title=Kunst&oldid=214634486 “