Renæssancemusik

fra Wikipedia, den gratis encyklopædi
Spring til navigation Spring til søgning

Renæssancemusik , også kendt som renæssancemusik , [1] forstås at betyde europæisk musik fra begyndelsen af ​​den moderne æra, dvs. perioden fra det 15. og 16. århundrede. Der er ingen konsensus i forskningen om den nøjagtige afgrænsning af epoker eller de musikalske egenskaber ved renæssancemusik.

Franco-flamsk polyfoni

I omkring to hundrede år havde komponister fra det nordvestlige Europa en førende indflydelse på udviklingen af ​​polyfonisk musik, og ifølge deres oprindelsesområde taler man om fransk-flamsk musik . Den første hovedrepræsentant, Guillaume Dufay skabte en eksemplarisk syntese af fransk, italiensk og engelsk indflydelse. Målecyklussen blev den centrale genre, før enkelte sætninger eller gloria / credo -par var reglen. Normalt bruger den næstlaveste stemme en allerede eksisterende åndelig eller sekulær melodi som cantus firmus ; vekslen mellem fuldstemmede og 2-3-delede passager, som kan tjene til at tydeliggøre teksten, er typisk. Som i den berømte masse i 1300 -tallet af Guillaume de Machaut kan isoritmen i Ars nova -motetten bruges til at måle sætninger. Standardiseringen tjener strategien med at gøre de første søjler i alle ordinarium -sætninger ens eller meget ens som et "motto".

Den samme generation kommer fra Gilles Binchois , der betragtes som den vigtigste repræsentant for den burgundiske chanson. Stilen er behersket, stilfuld og undgår tekstfortolkning. Sopran og tenor opretter en korrekt todelt bevægelse, hvortil contratenoren tilføjes som et tonalt supplement. Linjerne er struktureret på samme måde og fører til en melismatisk konklusion.

I den næste generation tager Johannes Ockeghem kontrapunktskunsten til et højdepunkt ved at komponere en Missa cuiusvis toni , der er noteret uden en nøgle og fungerer i forskellige kirkemåder , hvis karakter ændrer sig meget, eller i Missa prolationum en serie på to -del kanoner i skriverne øvre og nedre par stemmer, som skal læses med de samme noter, men forskellige nøgler og i en række producere en kanon i primtalen, anden, tredje osv., hvorved en 2-søjle overlejres af en 3-takt, så stemmerne falder fra hinanden, men stadig adlyder de kontrapunktiske harmoniregler.

I tredje generation omkring 1500 erstattes sortens ideal med en større klarhed og forståelighed. I motetter åbnes hver tekstlinje ofte med et motiv, der vandrer gennem alle stemmerne ( efterligning ). Den mest fremtrædende repræsentant, Josquin Desprez , modsætter sig en praksis, hvor kompositioner kan underlægges enhver tekst ved at reagere på musikens indhold og følelser af den tekst, der er sat til musik.

I anden halvdel af det sekstende århundrede var der på den ene side et stigende antal kromatiske vendinger mod en slags musikalsk manisme, som i Prophetiae Sibyllarum , et tidligt værk af Orlando di Lasso . På den anden side fører dominansen af ​​fjerde og femte trin i basfundamentet til tonaliteten i den følgende æra med regnet bas i 1600-tallet, den tid, hvor Jan Pieterszoon Sweelinck, den sidste stormester i fransk-flamsk polyfoni, blev forbillede for nordtysk orgelmusik.

Funktioner og former

Høje splittede lyde, det vil sige ublandede lyde, fra middelalderens musik erstattes af fulde lyde. Den femte og fjerde harmoniske giver plads til tredjedele og sjettedele. Udviklingen af triadeharmonien forberedes ved at starte linjerne sammen i stedet for de tidligere sædvanlige successive dele. Komplicerede former for isorytmi er forenklede. Numerisk mystik og hollandske kanoner i fransk-flamsk musik er eftervirkninger af den sen-gotiske periode .

Systemet med kirkemåder udvides til at omfatte æolisk og ionisk, som forbereder major-minor-tonaliteten .

Fauxbourdons musikalske kompositionsteknik er et andet kendetegn ved tidlig renæssancemusik. Det sikrede teksternes forståelighed og var let at forstå.

Det subjektive udtryk for en sammensætning fik meget mere spillerum end i middelalderen. En tonesymbolik breder sig i individuelle kompositioner, som kun kyndige lyttere kan opfatte.

I Venedig blev princippet om det venetianske multikor født , hvor kontrasterende effekter skulle opnås gennem forskellige positioner, størrelser og afstøbninger af flere grupper af sangere og instrumentalister. Giovanni Gabrieli er for eksempel en vigtig repræsentant for denne stil.

I anden halvdel af 1500 -tallet blev monodien udviklet i den florentinske Camerata ; Resultatet var et skifte i hele Europa i retning af musik, der for første gang havde menneskelige påvirkninger , klædt i musikalske figurer , som sit centrale indhold.

I renæssancetiden er opdelingen af ​​stemmerne i sopran , alt , tenor og bas færdig. Med den tilføjede baspart i korindstillingen ændredes den ideelle lyd, og den firdelte korindstilling blev standard.

Vokal musik

Både polyfoniske og homofoniske værker forekommer i renæssancens vokalmusik .

Tysktalende repræsentanter for polyfoni var Ludwig Senfl og Hans Leo Haßler ; Orlando di Lasso opnåede stor berømmelse. Madrigalen , den vigtigste form for sekulær musik i renæssancen, udviklede sig også omkring dette tidspunkt. En typisk tysk udvikling er tenorsangen , hvor melodien (ofte lånt fra en folkesang ) ligger som en cantus firmus i tenoren og kunstnerisk spilles rundt af de andre stemmer ("madrigalisme" [2] symboliserer musikalske ord).

Siden midten af ​​1500-tallet var der forskellige musikalske centre i Italien, hvoraf nogle havde form af mangeårige kunstneriske kredse eller "skoler", såsom den romerske skole omkring Giovanni Pierluigi da Palestrina , den venetianske skole , som eksperimenterede med timbres og rumlige effekter , og den florentinske Camerata .

Instrumental musik

Fokus for renæssancemusik er polyfonisk vokalmusik ; instrumentalmusikken begynder med Conrad Paumanns Fundamentum organisandi fra 1452.

Caravaggios lutespiller , omkring 1595

Orgelet begyndte at få fodfæste i kirkemusik . Orgelbøger med noder og lærebøger opstod. En specifik orgelnotation, kaldet tabulatur , udviklet i forskellige lande med specifikke regionale forskelle. Den gamle og den nye tyske orgeltabulatur , spansk, italiensk, engelsk og fransk tabulatur blev oprettet. Italien overtog dominansen i 1500 -tallet. På Markuskirken i Venedig blev nye former for orgelmusik introduceret og spredt derfra: Toccata , Prelude og Präambulum , Ricercar som en forløber for den senere fuga , fantasi og Canzona var inkluderet i organisternes repertoire.

Tidens mest almindelige husinstrument er luten , hvortil der også blev udviklet en separat fingering (tabulatur). Solosang og ensemblestykker blev ledsaget af hende, og vokalværker for lut kunne også omskrives.

Den første store bølge af instrumentudvikling i Europa faldt også under renæssancen . Ud over den videre udvikling af middelalderlige instrumenter dukker mange nye instrumenter op for første gang i denne periode. Især træblæser, messing og strygeinstrumenter bygges nu baseret på polyfoniske vokalensembler i forskudte vokalområder, dvs. som familier med tre eller flere forskelligt tunede instrumenter. I slutningen af ​​1500 -tallet findes følgende instrumenter, der er bygget i flere stemmer og er velegnede til ensemblespil:

De instrumentale ensembler sammensættes efter værkets krav og antallet af tilgængelige musikere. Instrumenteringen er normalt ikke specificeret. Både homogene instrumenter, der kun består af en familie af instrumenter og blandede instrumenter, forekommer. Blandede ensembler omfatter også instrumenter, der ikke er bygget i familier, såsom sækkepibe , nøglefele , hurdy-gurdy , lut , harpe , psalterium eller hylde . Brugen af slående mekanismer er almindelig. Der er også musik til naturlige trompeter og pauker, som er tilpasset toneforsyningen af ​​disse instrumenter.

Opfindelsen af ​​at trykke musik af Ottaviano dei Petrucci var også afgørende for renæssancen.

Der opstår dansebøger (samlinger af dansestykker og danselignende sange) af Pierre Attaingnant , Jacques Moderne , Pierre Phalèse og Tielman Susato (jf. Også Terpsichore (Praetorius) ) samt skrifter om musikteori og beskrivelser af de forskellige instrumenter.

Selvom de fleste renæssanceinstrumenter forsvandt eller blev udskiftet i løbet af 1600 -tallet, kan nogle (f.eks. Dulcian og viola da braccio) betragtes som direkte forløbere for instrumenter, der stadig er i brug i dag.

efterspil

Renæssancen blev erstattet af baroktiden , der startede i Italien omkring 1600 (se barokmusik ). Ændringen i stil er tydeligst i indledningen af generalbasspil og monodi , hvorfra orkestrale former såsom recitativ og arie og deres største præparater, såsom opera , oratorium og kantate udviklet. Innovationerne i den florentinske Camerata er banebrydende for denne udvikling. Ikke desto mindre bruges grundlæggende musikalske begreber, der opstod under renæssancen, også i efterfølgende epoker, såsom polykoralisme . De sidste ekkoer af en virkelig renæssance -holdning kan også findes i Henry Purcells Fantasier for Gamba -konsort .

Musikhistorisk kritik

Hugo Riemann afviste renæssancebetegnelsen som en epokebegreb og bruger i stedet et stilistisk udtryk, nemlig "musik af a cappella -stilen , der efterligner". Den indre forbindelse mellem kunsten er ikke så udtalt, at et tidsbegreb, der primært er præget af nyskabelser inden for billedkunst og arkitektur, uden problemer kan anvendes på musikhistorien. I overensstemmelse hermed kaldte han barokmusikken " grundbasens alder ". [3] Selv Ludwig Finscher bruger ikke udtrykket renæssancemusik i sin håndbog om musikhistorie fra 1989 og taler i stedet om "musikken fra det 15. og 16. århundrede". Laurenz Lütteken kommer til en anden konklusion i sit værk Music of the Renaissance ; han forstår musik og at lave musik i denne tidsalder som en væsentlig del af renæssancen og indsætter det i en omfattende kulturhistorie .

Se også

litteratur

Individuelle beviser

  1. se f.eks. Årbogen om renæssancemusik .
  2. Jf. F.eks. Arno Forchert : Madrigalisme og musikalsk-retorisk figur. I: JP Fricke (Red.): Festschrift for Klaus Wolfgang Niemöller. Regensburg 1989, s. 151-169.
  3. Werner Keil : En oversigt over musikhistorien. UTB 2012, s.17.