Dette er en fremragende vare.

Notation (musik)

fra Wikipedia, den gratis encyklopædi
Spring til navigation Spring til søgning

Når notation kaldes i musik den grafiske tilbageholdelse af musikalske parametre som tonehøjde , - varighed og - lydstyrke i en udviklet til hovedsageligt af noter eksisterende notation. På den ene side tjener det til at dokumentere allerede kendte musikstykker skriftligt og erstatter på denne måde delvist traditionen med auditions eller auditions. Pin -rullerne og diske i tøndeorgel og musikboks kan også ses som dokumentation for en melodi, men bortset fra det var musikalsk notation den eneste måde at fange musik på uden for hukommelsen indtil opfindelsen af lydoptagelse . Den anden store brug af musikalsk notation er at udtrykke nye melodier og andre musikalske ideer udelukkende skriftligt. Kun muligheden for at formidle en idé uden at skulle udføre den selv gør det muligt for enkeltpersoner at skabe omfattende og komplekse værker.

Den moderne vestlige musikalske notation

Elementer i notationen

Linjesystem og pitch Linjesystem og pitch
Linjesystem og pitch

De grafiske elementer i moderne musikalsk notation er i første omgang notationssystemet, der består af fem linjer, hvorpå de noter, der skal spilles, ud over oplysninger om tempo , tidssignatur , dynamik og instrumentering vises i form af noter, der læses fra venstre mod højre. De forskellige seddelvarigheder repræsenteres af forskellige noteformer ( noteværdier ), tonehøjderne er defineret af den lodrette position. To stave repræsenterer afstanden til en tredjedel ; afstanden mellem en seddel, der ligger mellem linjerne og en seddel, der ligger på en af ​​nabolinjerne, er et sekund . Nøglen i begyndelsen af ​​hvert system definerer en referencetone for en bestemt personalelinje, hvorfra de andre tonehøjder kan udledes: på illustrationen tonen g ' på den anden linje fra bunden. På billedet kan du ikke kun aflæse de relative noteintervaller (tredje og andet), men også udlede af diskantnøglen, at noterne a'-c ' og a'-h' er ment. For lyde, der er for høje eller lave, bruges vejledninger til at finde plads på linjerne.

Klavernotation

I polyfoniske musikstykker er det almindeligt at placere flere stave under hinanden, der hver indeholder en stemme , så de samtidige musikbegivenheder er arrangeret over hinanden. Man taler derefter om en score . Linjesystemer til lavere toner får normalt en basnøgle, der i modsætning til diskantnøglen markerer den lille f som referencetone på den anden linje fra toppen.

Et praktisk eksempel

Det følgende eksempel på en forenklet fremstilling af begyndelsen på Johann Strauss klassiker "På den smukke blå Donau" ( Lydfil / lydprøve Lyt til uddrag ? / i ) det grundlæggende i moderne musiknotation kan forklares godt:

Begyndelsen af Donauvalsen , simpelthen noteret
  1. Øverst til venstre ses normalt tempobetegnelsen , ofte på italiensk, her betyder "valsempo". Nedenfor eller ved siden af ​​kan der være den mere specifikke metronomspecifikation i BPM ( slag pr. Minut ) , her 142 kvartslag i minuttet .
  2. Angivelsen af tidssignaturen definerer kvartalet som melodiens grundslag: Trekvartstiden har sit fokus i begyndelsen af ​​målingen, hovedslaget efterfølges af yderligere to slag før et nyt
  3. Barline angiver begyndelsen på det næste mål .
  4. Er tilbage i systemet med berøringstasten , i dette tilfælde diskantnøglen, hvilket angiver, at den næstlaveste linje, tonen g 'repræsenterer. Til højre er
  5. Utilsigtet tegn : De to kryds på linjerne i f '' og c '' angiver, at de to toner f og c øges med en halvtone i alle oktaver, dvs. skal spilles som f skarp og c skarp , hvorfra blandt andet med en vis sandsynlighed D Major eller moll som mulige nøgler vals (faktisk nøglen er D-dur, men dette kun fremgår af gennemgangen af den yderligere harmoniske og melodiske progression, strengt taget, de generelle fortegn ikke sige noget om den egentlige nøgle). Disse utilsigtede tilfælde gælder for hele systemet, så længe de ikke midlertidigt overskrives af andre utilsigtede (frem til slutningen af ​​foranstaltningen) eller (normalt i forbindelse med en dobbelt streg) erstattes af andre generelle utilsigtede hændelser. Nøgle og utilsigtede noter noteres igen i begyndelsen af ​​hvert personale.
  6. Musikeren bør først læse og behandle alle de faktorer, der er anført indtil nu, før han spiller den første note: En kvartnote på noten d ' , hvis dynamik (volumen) er angivet med mf ( italiensk mezzo forte , medium højt, normal volumen ) nedenfor. I dette tilfælde følger en barline umiddelbart efter den første note, før en fuld bar på tre kvartsslag er slut. Stykket begynder ikke med den første stressede del, men med den ustressede tredje del af baren, en optakt .
  7. Den næste kvartnote (igen d ' ) lyder nu på det første slag i den næste måling. Hun er igennem en
  8. Legato - eller slurve forbundet med de følgende toner f skarp ' og a' , som ikke skal gengives om , men skal spilles i forbindelse med den forrige.
  9. I den næste bar er der en halv note a ', der varer de to første slag og et
  10. Kvartnote følger. På dette tidspunkt er der to hovedhoveder oven på hinanden i positionerne f skarpe '' og a '' , hvilket betyder, at disse to toner skal lyde på samme tid. Der er også et staccato -punkt ovenfor, der angiver en særlig kort artikulation. Efter at have spillet denne to-tone igen i begyndelsen af ​​det næste mål, følger en
  11. Pause længden af ​​et kvart slag. Med den følgende optakt gentages det forrige motiv en tredje lavere.
  12. Under de sidste tre søjler er der en decrescendo -gaffel, der kræver, at lydstyrken sænkes; man kunne lige så godt skrive “decresc.” eller “dim.” ( diminuendo ) . Som regel er disse instruktioner under systemet skrevet i kursiv, der vedrører dynamikken og karakteren af ​​forestillingen, over noterne er der information om tempoet med fede bogstaver, f.eks. "Accel." ( Accelerando ) eller " et tempo ".

historie

Gammel og ikke-europæisk musikalsk notation

Meget tyder på, at det i det gamle Egypten siden det 3. årtusinde f.Kr. Chr. Der eksisterede en slags musikalsk notation, og andre nationer forsøgte at arrestere musikskrivning.

Seikilos -epitafiet

Den første fuldt udviklede og nu fuldt dechifrerede notation er den græske, hvis første udseende ifølge forskellige kilder stammer fra det 7. århundrede f.Kr. F.Kr. eller kun omkring 250 f.Kr. Skal dateres. Denne musikalske notation brugte bogstaver - muligvis opkaldt efter kitharas strenge - til tonehøjden og markerede tonens varighed med symboler skrevet over dem. Det har overlevet på mange fragmenter , men der er kun en sammensætning, der er fuldstændig bevaret på denne måde ved en indskrift, Seikilos -epitafien , som blev hugget i en gravsten nær Efesos i det 2. århundrede e.Kr.

I Europa gik den græske notation tabt med det romerske imperiums fald ; dens senere dekryptering var kun mulig ved hjælp af romerske musikteoretiske skrifter fra de første århundreder efter kristendommen. Hvor hurtigt denne tradition blev glemt, viser imidlertid følgende citat fra kirkefaderen og biskop Isidore fra Sevilla fra hans Etymologiae (omkring 625), hvor han hævder, at det er umuligt at nedskrive musik:

“Nisi enim ab homine memoria teneantur, soni pereunt, quia scribi non possunt”

"Fordi hvis de ikke huskes af mennesker, passerer tonerne, fordi de ikke kan skrives ned."

- Etym. III, kap. 15.

Uden for Europa udviklede notationssystemer sig især i Kina , Japan og Indien , som ofte noterede melodien i mindre karakterer ved siden af ​​eller over den sungne tekst, men efterlod en masse rytmisk frihed. Bortset fra det blev tabulatur scripts også brugt til instrumentale kompositioner. Den arabiske musikalske notation, som var i brug fra 1200 -tallet , er hovedsageligt forankret i den græske tradition, der stadig blev givet der, men næppe udviklet sig yderligere, fordi musikens improvisationskarakter dominerede.

Generelt kan det siges, at bortset fra grækerne tjente musiknotation for de fleste folk mere som et hukommelseshjælpemiddel til stort set improviseret musik og mindre som et middel til at bevare melodier for eftertiden. Det mere præcise notationssystem udviklede sig i Europa, også fordi den friere, improviserede musik falmede i baggrunden til fordel for den kirkelige tradition for sammensatte og rituelt gentagelige psalmods og koraler .

Neumes

Jena sang manuskript , neumes i linjesystemet
Lambacher Messe, neumes over teksten

I midten af ​​det 9. århundrede udviklede en ny type musikalsk manuskript til gregoriansk sang i europæiske klostre , der brugte neumes som symboler, der blev noteret over teksten. De illustrerede korlederens eller sangerens vinkende bevægelser ( græsk νεύμα neuma , tysk 'blink' ). Således stod en enkelt neume for en bestemt melodisk sætning. Imidlertid blev forskellige grafiske symboler brugt i forskellige lande og klostre. Den ældste kilde til denne notation findes i Musica disciplina af Aurelian von Réôme omkring 850. Tidligere daterede fragmenter af visigotiske neumer fra Den Iberiske Halvø er endnu ikke blevet dechiffreret. Lambach -missalet vist modsat stammer fra slutningen af 1100 -tallet , hvis original er i Melk Abbey .

Guido fra Arezzo

Linjer blev gradvist tilføjet til den lineøse, adiastematiske nye notation, i første omgang to farvede stænger til noterne f og c for at markere halvtonetrinene e - f og b - c . For præcist at registrere tonetrinnene mellem linjerne tilføjede Guido von Arezzo en tredje linje mellem f- og c -linjerne i begyndelsen af ​​det 11. århundrede . Systemet med tredjedele, hvormed hvert diatonisk trin præcist kan identificeres, blev opfundet. Guido anbefalede også - afhængigt af brug - at sætte en fjerde linje over eller under de tre linjer.

I stedet for farverne brugte Guido nu bogstaver (c eller f) i begyndelsen af ​​et system til at markere en af ​​halvtonspositionerne. Med dette havde Guido også opfundet nøglen . Han brugte hovedsageligt små c til at indstille c'et . F'en blev brugt sjældnere, men har stået tidstesten som en F- eller basnøgle.

Guido erkendte i praktiske lektioner, at denne nu diastematiske notation stadig indeholder en didaktisk svaghed. Selvom tonetrinets modale forhold forbliver relativt de samme, navngives de forskelligt afhængigt af tonehøjden. Derfor opfandt Guido også den relative solisering , hvor både halvtonetrin e - f og halvtonetrin h - c (senere også a - b ) synges med de samme tonestavelser “mi - fa”.

Guidos tjenester er derfor didaktisk motiverede. Med tredjelinjesystemet visualiserede han pitch -trin præcist for første gang; Med den relative solisering navngiver han funktionelt halvtonetrinnene, så eleverne altid artikulerer og synger dem på samme måde; Endelig, med Guidonic -hånden , inkluderer Guido den "forstående" hånd i læreprocessen. Denne samling af forskellige stimuli er så effektiv, at musikpædagoger fortsat anvender Guidos metode - i hvert fald fra et didaktisk synspunkt - uændret den dag i dag.

Opløsningspunktet er ikke at erstatte den absolutte notation, men blot at imponere tonernes relative forhold ind i hukommelsen, på samme måde som arabiske tal bruges til at angive melodier (1 = altid root) eller romertal for at angive harmonier (I. = Tonic). Betydningen og nødvendigheden af ​​den diastematiske notation er på ingen måde sat i tvivl ved disse didaktiske foranstaltninger.

I Guidos tid og i lang tid bagefter var fire linjer normalt nok, især til sang. Dette skyldtes ikke kun korallernes lille rækkevidde, men også de fleksible nisser. De gjorde det muligt at passe rækkevidden af ​​en stemme eller en melodi ind i linjesystemet. Det firelinjede neum-system med C-tasten er stadig i brug i dag i kirkemusik i forbindelse med neumerne i den firkantede notation . Som i moderne notation var og bruges hjælpelinjer til særlig høje eller lave toner. Denne type notation med fire sammenhængende stave kan stadig findes i korbøger i dag.

Til andre formål og forskellige musikinstrumenter blev der snart brugt systemer med mere eller færre linjer. Det moderne fem-linjesystem opstod i Frankrig i 1500-tallet , men andre stavemåder fortsatte ind i 1600-tallet . C -nøglen foretrukket af Guido er blevet erstattet på mange områder af F- og G -nøglerne, som praktisk talt kun bruges i form af en diskant- og basnøgle.

Modal notation

For specifikt at kunne registrere rytmen i notationen, udviklede modalnotationen sig i Vesteuropa under den såkaldte Notre Dame-epoke i 1100-tallet til begyndelsen af 1200-tallet . I modsætning til den notation, der bruges i dag, er dette ikke baseret på individuelle takter i urstrukturen, men på seks elementære rytmer (modes), der er baseret på græske målermål . Hver tilstand beskrives ved en ligatur (gruppe på 2-4 noter) i firkantet notation .

Mensural notation

Da modalnotationen kun tillod et fast antal forskellige rytmer, opstod der hurtigt behov for reformer, især for skrivning af rent instrumental musik. Med introduktionen af ​​den (sorte) mensurale notation i 1200 -tallet ( Ars Nova ) var rytmen også mærkbar ved brug af forskellige noteværdier . Noteværdierne på det tidspunkt blev kaldt Maxima, Longa, Brevis, Semibrevis, Minima og Semiminima, deres nøjagtige metriske forhold afhængede af den anvendte skala og værdien af ​​naboerne.

Motet fra 1400 -tallet, hvid mensural notation

I 1400-tallet gjorde udvidelsen af ​​manuskripterne det for tidskrævende at udfylde nothovederne, der blev brugt for meget dyrebart blæk, og det anvendte papir var tyndere og kunne lettere rive, hvis det var for fugtigt: den såkaldte hvid mensural notation blev oprettet. Sorteningen blev kun udført for at identificere særligt små nodeværdier (se de modsatte sider af en motet af Loyset Compère, sandsynligvis komponeret i 1472).

Rytmebetegnelse

I 1280 udviklede Franco von Köln den første præcise rytmebeskrivelse, der kom til udtryk i komplekse værker, der imidlertid, i modsætning til dengang dengang, var improvisationsfjendtlige. Det er baseret på (perfekt) tre og (ufuldkommen) tovejsinddeling af seddelængderne. (De var relateret til brevis længde ved at parentesere dem med prikker.)

Ars Nova var i stand til at skabe komplekse (polyrytmiske) værker med isoperiodisk (tenor) og isorytmisk i perioderne.

I den fransk-flamske renæssance blev Ars Nova's komplicerede rytme forenklet igen til enklere proportioner.

Endvidere bestemte rytmen i dets grundmønster den form, hvortil en bestemt karakter blev tilskrevet i danse, som blev opsummeret og standardiseret i suiter.

Weissemens.jpg

Med den mensurale notation blev den rytmisk nøjagtige notering konsolideret (op til den tidlige romantiske periode (trillinger og højere underinddelinger), jo vanskeligere notationen ser ud, jo yngre er den.) Quantz specificerede den oprindeligt upræcise tegnsætning i barokken til udtrykket almindeligt anvendt i dag (den tredelte division ).

Moderne signatur

I 1400-tallet begyndte også stave at dele med lodrette linjer, såkaldte Mensurenstriche, i sektioner. Disse dele var imidlertid ikke stænger i moderne forstand, da datidens musik havde meget uregelmæssige mønstre, men blev brugt til at angive i partiturer på hvilke punkter de forskellige stemmer skulle spille eller synge på samme tid.

Mod slutningen af 1600 -tallet blev det moderne rytmiske system med tidssignaturer og streglinjer introduceret, som tog de mindre værdier af den hvide mensural notation med som musikalsk notation.

Det kan ses fra den moderne notations historie, at dens udvikling primært opstod fra kravene til sunget musik, og faktisk hører man ofte, at den er uegnet til skrivning af instrumental musik. De mange forsøg i de sidste to århundreder på at reformere det musikalske notationssystem har alle mislykkedes, enten på grund af musikernes konservative holdning, eller fordi de nydesignede systemer var mindre egnede end de gamle. Der er dog også alternative notationer for visse specialområder, hvoraf nogle er baseret på gamle traditioner.

Musiknotationen fra håndskrift til computerudskrivning

Kopimister

Beethovens heftige musikalske notation (klaversonate op.109)

Notationens udvikling lignede historien om det skrevne ord. Efter at musiktekster mejslet i sten eller ridset i ler, udviklede blæk og papir sig hurtigt til det ideelle medium.

De mere eller mindre læselige manuskripter fra forskellige komponister kan sige meget om deres personlighed, bare sammenligne Johann Sebastian Bachs ensartede og kontrollerede håndskrift (billedet ovenfor) med det tilstødende uddrag fra Ludwig van Beethovens E -dur -sonate op.109 . Den dag i dag er dekryptering af autografer et vanskeligt ekspertarbejde, når det er nødvendigt at skelne mellem, om der er et staccato -punkt eller bare en blækplet, eller hvis - som det ofte er tilfældet med Franz Schubert - de grafiske mellemtrin fra accentkile til diminuendo gaffel skal gengives tilstrækkeligt på tidspunktet for udskrivning.

Da komponisten havde skrevet partituret for et nyt orkesterværk, var det kopisternes opgave at kopiere dele af de enkelte instrumenter fra det, hvilket var et tidskrævende værk. Hvis stykket kun blev afsluttet i sidste øjeblik, skulle det gøres hurtigt, og fra mange nutidige vidnesbyrd kender vi beskrivelser af "stadig fugtig noder", hvorfra musikerne spillede verdenspremiere .

Bogtryk

Missa Papae Marcelli, hvid mensural notation

Efter indførelsen af bogtryk begyndte musikere at eksperimentere med denne teknik og udskrive fra graverede eller afskårne skabeloner lavet af træ og metal. Senere blev princippet om bevægelig type også overført til tryknoder , som det kan ses i den tilstødende illustration fra Palestrinas Missa Papae Marcelli . I 1498 opfandt den venetianske Ottaviano Petrucci nodereprint med bevægelig type; hans opfindelse gjorde Venedig til det europæiske centrum for tryk af noder i de næste årtier. Publikationer af Pierre Attaingnant var af særlig betydning for notationen med bevægelige, frit kombinerbare typer. For første gang kunne musikværker vises i store udgaver og gøres tilgængelige for en bredere offentlighed. Langt størstedelen af ​​musikken blev dog fortsat spillet af håndskrevet materiale.

Bemærk gravering

I 1700 -tallet blev gravering med kobberplader mere og mere udbredt i Frankrig, og takket være dens enestående kvalitet blev det hurtigt fanget i de store musikforlag i Europa. Graverens vanskelige job er at arrangere opdeling af systemer og mål med alle deres ekstra etiketter og symboler på arket på en sådan måde, at resultatet er en organisk læsbar helhed med passende steder til at vende siderne, og dette layout på gravering plade ( Bly - tin - antimon legering ) at skitsere i spejlbillede. Selve piercingprocessen finder derefter sted med en raster, som de fem parallelle stavelinjer tegnes på én gang, forskellige stålstansninger og andre skrabe- og gennemboringsværktøjer. En brugt litografisk sten fungerer som en base. Nøgler, utilsigtede noter, små buer, beslag og hele manuskriptet er stemplet med stål. Bemærk stængler, stænger, små stanglinjer og større buer er graveret med stålgraverer (svarende til dem fra kobbergraveringen ). Crescendos og lange stanglinjer på tværs af flere systemer tegnes med den såkaldte trækkrog. Inden den endelige print, en såkaldt grøn print (bogtryk udskrivning proces er) lavet til korrektion. Ved korrektion markeres det forkerte sted på bagsiden af ​​graveringspladen ved hjælp af en buet tang. Derefter drives ledningen af ​​det defekte område op ved hjælp af et sømspids. Efter forskellige udjævnings- og afgratningsprocesser kan korrektionen udføres, dvs. at det tilsvarende symbol nu kan placeres på det korrekte sted. Produktionen af ​​en partitursside tager mellem 8 og 12 timer, afhængigt af indholdet.

litografi

Mellem 1796 og 1798 udviklede Alois Senefelder en fladtryksproces baseret på Solnhofen kalksten , som var velegnet til hurtig og billig gengivelse af noder. Processen blev senere kendt som litografi eller stenprint og blev optaget af mange kunstnere.

Statisk friktionsproces

En særlig form for partiturproduktion bestod i, at graveren markerede de tilhørende notelinjer og teksten på en papkasse. Denne skabelon blev derefter sat i lysmetoden ( fototypesætning placeret) på en film. Nøgler, noter, hals osv. Blev derefter gnides på denne film på samme måde som de velkendte klæbende bogstaver. Med hensyn til kvalitet var denne metode ringere end konventionel gravering. Den tid, der krævedes til at producere et noteark, var nogenlunde den samme som til et stykke musikgravering, men graveringens blyeksponering blev elimineret. Denne procedure blev brugt i DDR siden omkring 1978.

Musikalsk notationsmaskine

Østrigsk nationalsang, optaget med Kromarografen [1]

Omkring 1900 udviklede wieneren Laurenz Kromar Kromarograph , en automatisk musikalsk notationsenhed til optagelse af improvisationer på klaveret. Denne udvikling havde været forud for lignende forsøg siden 1700 -tallet, hvilket dog i modsætning til Kromars udvikling ikke havde ført til tilfredsstillende resultater. [2] "Kromarografen opfylder ikke kun sit formål med hurtig, trofast optagelse af improvisationer eller kompositioner, men den anvendte elektriske strøm giver et nøjagtigt billede af spillet, registrerer spillets korrekthed samt enhver fejl, der foretages verificerbart og ubarmhjertigt . " [3]

Computer note sæt

De første forsøg med at bruge computere til at udskrive noter fandt sted allerede i 1960'erne , og alvorlige resultater har eksisteret siden 1990'erne . Ud over lukkede kildemusikprogrammer som Finale , PriMus , Score , Sibelius eller capella , der i stigende grad erstatter håndgraveret musik, selv på kendte musikudgivere, findes der også open source- løsninger som LilyPond , MuseScore , MusiXTeX eller ABC og ABC Plus .

Programmer som Logic eller Cubase bruges i populærmusik i dag. Det er udførlige sequencer -programmer, hvor også trykudskrivningsfunktioner er integreret, men som næsten aldrig opfylder faglige krav og gør æstetisk overbevisende udgaver af populærmusik til en sjældenhed. Disse sequencer-programmer kan dog bidrage til at reducere den krævede indsats for nogle af musiknotationerne i høj kvalitet med de ovennævnte typeprogrammer: MIDI- filer af indspillede stykker kan eksporteres, der kan importeres til sætningsprogrammer; scoren skal kun justeres, ikke oprettes fra bunden.

Det er normalt mere behageligt at spille fra noter, der er håndskrevet eller indstillet af en erfaren musikkomponist. En særlig negativ tendens synes, at udgivere af omkostningsgrunde i stigende grad udsteder scoringer, der ikke er fastsat af professionelle marketingfolk, men af ​​lægfolk og derfor ikke altid opfylder høje standarder. Dette er ofte tilfældet med populær eller uddannelsesmusik, f.eks. For eksempel har forfatteren af ​​en skole sat sit arbejde fuldstændigt og forelægger det til udskrivning med et færdigt layout.

Alternative notationssystemer

Tabulatur

Musikalsk notation og guitartabulatur

Tabulaturer (fingeraftryk) blev udviklet tidligere end moderne musikalsk notation og blev brugt til plukkede , streng- og keyboardinstrumenter og mere sjældent til træblæsere . Især lutenister og guitarister beholdt fingrene indtil slutningen af ​​1700 -tallet. [4] Guitartabulaturer kom i brug igen i det 20. århundrede.

Begyndelsen af ​​sangen "Alle de små fugle er der allerede" vises til højre. Rytmesymboler i tabulaturer for luitinstrumenter (se historiske lutetabulaturer ) angiver ikke individuelle nodeværdier, men varigheden, indtil den næste tone spilles. I moderne guitartabulatur kan værdierne for de enkelte toner dog angives (se moderne guitartabulatur ).

En særlig form for tabulatur er notationssystemet Klavarskribo ("tastaturskrivning") udviklet i 1931, en notation for tastaturinstrumenter, der blev udviklet af hollænderen Cornelis Pot. Klavarskribo er noteret lodret fra top til bund. Grupper på to eller tre linjer repræsenterer hver de sorte taster, notesymbolerne er arrangeret på eller mellem disse linjer.

Tonnamen

In Texten über Musik oder in Ermangelung von Notenpapier werden die Töne einer Melodie oft anhand ihrer Tonnamen beschrieben. Durch Groß- und Kleinschreibung und Strichsetzung bzw. Indizierung lässt sich einem Ton eine eindeutige Oktavbezeichnung zuordnen. Für den Donauwalzer im Beispiel oben könnte das so aussehen: „3/4: d¹ | d¹ fis¹ a¹ | a¹“ usw. Statt fis kann auch f geschrieben werden, ebenso a statt as. Zu beachten sind hier aber auch anderssprachige Tonbezeichnungen , deren Unkenntnis Missverständnisse hervorrufen kann.

Darstellung in einem Tracker-Programm. Zwei Spuren eines Instrumentes, mit eingegebenen Parametern zu Tonhöhe und Tondauer (zweistelliges Zahlenfeld).

Besonders in digitalen Textformaten hat sich auch eine alternative Kurznotation entwickelt, die, ausgehend von der 88-Tasten-Standard klaviatur , die Oktaven von unten bis oben durchzählt, angefangen jeweils beim C. Das Kontra-C (‚C) ist das erste C auf der Klaviatur, es heißt deswegen C1. Das fünfgestrichene c (c''''') , die höchste Taste, ist das achte C auf der Klaviatur und heißt demnach C8. Die Halbtöne werden unabhängig von ihrem Harmoniezusammenhang mit als erhöht dargestellt (siehe dazu enharmonische Verwechslung ), ges'' würde so zum Beispiel als F 5 geschrieben werden.

Diese Schreibweise wird beispielsweise in Tracker - Musikprogrammen verwendet. Die Zeitachse verläuft hier vertikal von oben nach unten. Die Wahl der zeitlichen Schrittweite ist dabei ausschließlich Interpretationssache. Oftmals entspricht eine Zeile einer 16tel-Note, mit Tempiwechseln kann aber auch ein komplexes Gebilde wie 30-prozentiger Swing erreicht werden. Die Tonhöhe wird in der beschriebenen Notation eingetragen. Die Kompaktheit dieser quasi eindimensionalen Notenschreibweise ermöglicht eine übersichtliche Notation weiterer musikalischer Parameter wie Länge oder Lautstärke, aber auch spezifisch elektronischer Bearbeitungsmöglichkeiten, die die Klangfarbe beeinflussen.

Weitere Möglichkeiten, Töne zu benennen, sind die relative und die absolute Solmisation , die ihre Tonnamen auf Guido von Arezzo zurückführen, und die Tonwort -Methode von Carl Eitz .

Ziffernnotation

In vielen Kulturen wird die Partitur hauptsächlich über Zahlen, Buchstaben oder einheimische Zeichen dargestellt, die die Notenfolge repräsentieren. Dies ist beispielsweise der Fall bei der chinesischen Musik ( jianpu oder gongche ), bei der indischen Musik (sargam) und in Indonesien (kepatihan) . Diese andersartigen Systeme werden zusammengefasst als Ziffernnotation bezeichnet.

Als Beispiel soll hierbei die Zahlennotation angeführt werden, wie sie im jianpu Verwendung findet. Dabei sind beispielsweise die Zahlen 1 bis 7 den Tonstufen der Durskala zugeordnet. Bei einem Stück in C-Dur sind dies:

 Note: CDEFGAH
Solfege: do re mi fa sol la si
Notation: 1 2 3 4 5 6 7

Ursprung dieser Notation ist die Ziffernnotation nach Emilé Chevé .

Shape Notes

Durtonleiter in 4-Shape Notation
Durtonleiter in 7-Shape Notation

Shape Notes sind ein Notationssystem, das zu Beginn des 19. Jahrhunderts in den Vereinigten Staaten entwickelt wurde, um musikalischen Laien das Singen nach Noten zu erleichtern. Shape-Note-Lieder verwenden die Standardnotation, die Notenköpfe haben aber zusätzlich charakteristische Formen, die den Stufen der Tonleiter zugeordnet sind und mit Solmisationssilben benannt werden.

Das erste Shape-Note-Gesangbuch wurde 1801 von William Smith and William Little herausgegeben: The Easy Instruktor . Mit der Singing-School-Bewegung gewannen Shape-Note-Gesangbücher eine hohe Popularität in den USA.

Zwei Systeme der Shape-Note-Notation haben sich durchgesetzt und sind heute in Gebrauch: Das 4-Shape-System mit den Solmisationssilben Fa So La Mi , das im Gesangbuch The Sacred Harp verwendet wird, und das 7-Shape-System mit den Solmisationssilben Do Re Mi Fa So La Ti/Si , das z. B. im Gesangbuch The Christian Harmony verwendet wird.

Notationscodes

Um musikalische Parameter elektronisch „notieren“ und speichern zu können, wurden verschiedene Notationscodes entwickelt. [5] Zu unterscheiden sind Codes für die Wiedergabe von Musik wie MIDI , Codes für die Eingabe oder Speicherung von Musik für den elektronischen Notensatz (wozu prinzipiell alle Dateiformate von Notensatzprogrammen zu rechnen sind) und solche für die musikwissenschaftliche Analyse von Musik wie der Humdrum-Code. [6] MusicXML wurde als Austauschformat konzipiert und vereint Elemente von Humdrum, MuseData und MIDI. MEI ist MusicXML ähnlich, setzt aber auf TEI auf und berücksichtigt stärker musikwissenschaftliche Erfordernisse, insbesondere hinsichtlich der Editionsphilologie .

Kurzschriften für Akkorde

Bezifferter Bass
Kinderlied mit Akkordsymbolen über den Noten

In der Tradition des Generalbasses wird eine Bassstimme mit Ziffern versehen, aus denen sich der über dem Basston zu spielende Akkord ableiten lässt. Viele Komponisten benutzten die Bezifferung aber auch, um rasch den harmonischen Verlauf eines Werkes skizzieren zu können. So konnte sich Franz Xaver Süßmayr bei seiner Vollendung von Mozarts Requiem auf einige bezifferte Bässe stützen, die Mozart noch selbst notiert hatte. Die Abbildung rechts zeigt einen einfachen Generalbass, im oberen System ist eine mögliche Ausführung der Bezifferung ausgeschrieben.

Eine andere Richtung verfolgen die heute vor allem im Jazz und in der Popularmusik üblichen Akkordsymbole , die neben dem Notennamen des Akkord-Grundtons einen Code aus Buchstaben und Ziffern aufweisen, mit dem die Art der Harmonie beschrieben wird. Dieses System, das ganz ohne Notenlinien auskommt, wird in Verbindung mit einem Melodie- Notensystem eingesetzt, es gibt aber auch Sammlungen, in denen lediglich Text und Akkordsymbole eines Liedes abgedruckt sind, weil die Melodie als bekannt vorausgesetzt wird.

Braille-Notenschrift

Unter Verwendung derselben Zeichen wie in seiner Blindenschrift erfand Louis Braille eine musikalische Notation für Sehbehinderte, die heute weltweit verwendet wird. In seinem ausgeklügelten System von Noten-, Oktav-, Harmonie- und Zusatzsymbolen ist es möglich, auch die vertikalen Abläufe mehrstimmiger Musik in eine für Blinde lesbare lineare Zeichenfolge zu bringen. Die größte Sammlung von Noten in Braille-Musikschrift besitzt die National Library for the Blind in Stockport ( GB ).

Grafische Notation

Hans-Christoph Steiners grafische Notation für Solitude.
Hans-Christoph Steiners grafische Notation für Solitude.

In den 1960er und frühen 1970er Jahren fühlten viele Komponisten den Wunsch, sich vom klassischen Notenbild zu lösen, das ihnen zu ungeeignet und zu konkret für ihre Musik erschien. Sie begannen, mit grafischer Notation zu experimentieren, [7] um der Inspiration und der Kreativität des ausführenden Musikers mehr Platz einzuräumen. Dies war wesentlich beeinflusst von den Künstlern des Fluxus sowie einer von John Cage und Alison Knowles kuratierten Ausstellung von Partituren und den dazu von ihnen herausgegebenen Katalog Notations [8] .

Die meisten europäischen Komponisten kehrten jedoch schnell wieder zu einer präzisen („klassischen“) Notation zurück. Unter den Komponisten, die diese Notationsform für längere Zeit extensiv einsetzten, sind vor allem Roman Haubenstock-Ramati und Anestis Logothetis zu nennen.

Eine wichtige Rolle spielte die grafische Notation immer in Musik mit einem elektroakustischen Medium, dessen Part in irgendeiner Form in eine Partitur eingehen sollte, damit sich live Spieler mit ihm koordinieren konnten. Ein frühes und bedeutendes Beispiel ist dazu die Hörpartitur, die Rainer Wehinger [9] 1958 für die elektroakustische Komposition Artikulation von György Ligeti erstellte.

Farbnotation

Schon Guido von Arezzo verwendete Farben zur Veranschaulichung der Notation, diese verschwanden mit Aufkommen des Notendrucks. Ein neuer Versuch wurde von Arno Peters unternommen. Die Peters-Notation ermöglicht eine räumliche Darstellung der Tonhöhe und der Tondauer. Er ordnete jedem der sieben Töne eine Farbe zu. Er beachtete bei der Zuordnung eine ähnliche Frequenzrelation innerhalb des Lichtspektrums . [10]

6-plus-6-Notenschrift

Die Dur-Tonleiter (hier C-Dur) mit 6-plus-6-Noten dargestellt: Beim Ganztonabstand bleibt die Farbe der Noten gleich, beim Halbtonabstand wechselt die Farbe und zusätzlich halbiert sich der Höhenabstand.

Die von Johannes Beyreuther entwickelte Notenschrift spiegelt die Anordnung der beiden Reihen der 6-plus-6-Instrumente wider. Sie besteht aus weißen und schwarzen Noten. Gleichfarbige Noten sind im Ganztonabstand angeordnet. So haben die Töne 1 bis 3 der diatonischen Tonleiter die gleiche Farbe, die Töne 4 bis 7 die entsprechende andere Farbe. Ein Farbwechsel bedeutet einen Wechsel der zu spielenden Reihe. Ein großer Vorteil ist das Transponieren. Eine Melodie in C-Dur geschrieben lässt sich auf zweireihigen 6-plus-6-Instrumenten durch Verschieben des Anfangstones in fünf anderen Tonarten spielen, auf dreireihigen Instrumenten sogar in allen zwölf Tonarten. Auch bei Instrumenten mit einer verschobenen 6-plus-6-Anordnung wie die Hayden -Duet- Konzertina zeigt die Farbe der Noten die Reihe an, in der sich die Tasten befinden. Schlüssel gibt es nicht. Die 6-plus-6-Notenschrift gehört zum Beyreuther-Musikprinzip . [11] [12]

Rhythmusnotation

Beispiel einer Rhythmusnotation, hier To Be With You von Mr. Big

Die Rhythmusnotation gibt lediglich Informationen darüber ab, zu welchem Zeitpunkt relativ zum Metrum Schallereignisse eintreten. Sie kann z. B. verwendet werden in Begleitbüchern für Schlaggitarre, wobei die Rhythmusnotation dem Instrumentalisten das Schlagmuster vorgibt, nicht aber, wie er welchen Begleitakkord zu spielen hat (da für z. B. A-Dur mehrere Möglichkeiten existieren). Es kann – wie im Bild – jedoch sein, dass der Rhythmusnotation ( englisch rhythm slashes wegen der schrägen Form der Notenköpfe) über ihr noch Akkordnamen oder gar -lexikonabbildungen hinzugefügt werden, dies ist jedoch nicht selbstverständlich.

Piano-Roll-Notation

Beispiel einer Piano-Roll-Notation, die für die Lesbarkeit auf Papier optimiert wurde (siehe vollständiges Notenblatt ).

In Sequenzer -Programmen zur Bearbeitung von Musik mit dem Computer wird meist eine sehr vereinfachte Notation verwendet. Werden beispielsweise Musikstücke über ein MIDI -Keyboard aufgezeichnet, erhält der Computer nur die Information darüber, welche Taste zu welchem Zeitpunkt gedrückt und wann wieder losgelassen wurde, ähnlich wie bei der Aufzeichnung auf einer Notenrolle . Schlüssel, Tonart, Taktart, Vorzeichen und die genauen Notenwerte stehen dem Computer dagegen nicht zur Verfügung. Eine Darstellung der aufgezeichneten Daten in der klassischen Notation ist daher nur mit sehr aufwendigen Algorithmen und manuellen Anpassungen möglich. Sequenzer-Programme arbeiten aus diesem Grund häufig mit einer Piano-Roll-Notation (Notenrollen-Notation), die dem Abdruck auf einer Notenrolle ähnelt und deren Darstellung sich sehr einfach programmieren lässt. Die Piano-Roll-Notation erlaubt auch eine einfache Eingabe oder Bearbeitung von Musikstücken am Bildschirm (in manchen Programmen Piano-Roll-Editor genannt). Auch zum intuitiven Erlernen von Klavierstücken kann die Piano-Roll-Notation verwendet werden, ohne dass das Lesen von klassischen Noten beherrscht werden muss. Piano-Roll-Notationen existieren in zahlreichen Varianten, zum Teil auch unter Verwendung von Farbe. In einigen Ländern wie den USA können Musik-Notationen patentiert werden. Unter den Patenten finden sich einige Beispiele für Piano-Roll-Notationen, wie zum Beispiel das US-Patent 6987220 (von 2006) einer Piano-Roll-ähnlichen Notation mit Farben.

Siehe auch

Literatur

  • Willi Apel : Die Notation der polyphonen Musik. Breitkopf & Härtel, Leipzig 1962, ISBN 3-7330-0031-5 .
  • Hans Hickmann , Walther Vetter, Maria Stöhr, Franz Zagiba, Walther Lipphardt, Luther Dittmer, Martin Ruhnke, Friedrich Wilhelm Riedel, Wolfgang Boetticher, Rudolf Stephan: Notation. In: Friedrich Blume (Hrsg.): Die Musik in Geschichte und Gegenwart (MGG). Erste Ausgabe, Band 9 (Mel – Onslow). Bärenreiter/Metzler, Kassel ua 1961, DNB 550439609 , Sp. 1595–1667 (= Digitale Bibliothek Band 60, S. 55100–55259)
  • Günter Brosche : Musikerhandschriften. Reclam, Ditzingen 2002, ISBN 3-15-010501-3 .
  • Gilles Cantagrel : Musikhandschriften − Musikhandschriften aus 10 Jahrhunderten − von Guido von Arezzo bis Karlheinz Stockhausen. Aus dem Französischen von Egbert Baqué. Knesebeck, München 2005, ISBN 3-89660-268-3 (Farbbildband).
  • Max Chop : Die Entwicklung unserer Notenschrift. In: Reclams Universum 28.2 (1912), S. 1250–1254.
  • Thrasybulos Georgiades : Musik und Rhythmus bei den Griechen. Rowohlt, Hamburg 1958.
  • Martin Gieseking: Code-basierte Generierung interaktiver Notengraphik. epOs-Music, Osnabrück 2001, ISBN 978-3-923486-30-4 .
  • Elaine Gould: Hals über Kopf. Das Handbuch des Notensatzes. Aus dem Englischen von Arne Muus und Jens Berger. Faber/Peters, London/Leipzig 2014, ISBN 978-1-84367-048-3 .
  • Andreas Jaschinski (Hrsg.): Notation (MGG Prisma). Bärenreiter, Kassel ua 2001, ISBN 3-7618-1625-1 .
  • Erhard Karkoschka: Das Schriftbild der Neuen Musik. Hermann Moeck, Celle 1966, ISBN 3-87549-002-9 .
  • Hartmut Möller ua: Notation. In: Ludwig Finscher (Hrsg.): Die Musik in Geschichte und Gegenwart . Zweite Ausgabe, Sachteil, Band 7 (Myanmar – Quellen). Bärenreiter/Metzler, Kassel ua 1997, ISBN 3-7618-1108-X ( Online-Ausgabe , für Vollzugriff Abonnement erforderlich)
  • Rainer Nonnenmann: Invention durch Notation – Von der Verfertigung musikalischer Gedanken beim Schreiben. In: Neue Zeitschrift für Musik , 169. Jg. 2008, Heft 5, S. 20–25.
  • Egon Sarabèr: Die Kunst des Notenlesens. Für Anfänger und Fortgeschrittene. 2., verbesserte Auflage. Papierflieger Verlag, Clausthal-Zellerfeld 2018, ISBN 978-3-86948-626-0 .
  • Manfred Hermann Schmid : Notationskunde: Schrift und Komposition 900 – 1900 . Bärenreiter, Kassel 2012, ISBN 978-3-7618-2236-4 .
  • Karlheinz Stockhausen : Musik und Graphik. In: Darmstädter Beiträge zur neuen Musik III. Schott, Mainz 1960.
  • Albert C. Vinci: Die Notenschrift. Grundlagen der traditionellen Musiknotation. Bärenreiter, Kassel 1988, ISBN 3-7618-0900-X .
  • Helene Wanske: Musiknotation. Von der Syntax des Notenstichs zum EDV-gesteuerten Notensatz. Schott, Mainz 1988, ISBN 3-7957-2886-X .
  • LK Weber: Das ABC der Musiklehre. 13. Auflage. Zimmermann, Frankfurt am Main 2002, ISBN 3-921729-02-5 .
  • Rudolf Witten: Die Lehre vom Musiknotendruck . Hrsg.: Bildungsverband Deutsche Buchdrucker. Leipzig 1925.
  • Susana Zapke (Hrsg.): Notation. Imagination und Übersetzung. Hollitzer Verlag, Wien 2020, ISBN 978-3-99012-858-9 .
  • Wieland Ziegenrücker: ABC Musik. Allgemeine Musiklehre. 6., überarbeitete und erweiterte Auflage. Breitkopf & Härtel, Wiesbaden 2009, ISBN 978-3-7651-0309-4 , S. 23–48 ( Von den Noten ).

Weblinks

Wiktionary: Notation – Bedeutungserklärungen, Wortherkunft, Synonyme, Übersetzungen

Einzelnachweise

  1. Abbildung aus Scientific American vom 1. September 1906, S. 159.
  2. Johannes Wolf: Handbuch der Notationskunde . Teil II, Leipzig 1919, S. 458.
  3. Rudolf Kaiser: Demonstration der Strahlenklaviatur und des Kromarographen. In: Gustav Mayer (Hrsg.): Bericht über den 1. Österreichischen Musikpädagogischen Kongreß. Wien/Leipzig 1911, S. 175–178.
  4. Adalbert Quadt : Lautenmusik aus der Renaissance. Nach Tabulaturen hrsg. von Adalbert Quadt. Band 1 ff. Deutscher Verlag für Musik, Leipzig 1967 ff.; 4. Auflage ebenda 1968, Band 2, Vorwort (1967).
  5. Adam Tee: A Formal Grammar for Describing Music. (Nicht mehr online verfügbar.) 15. Februar 2001, archiviert vom Original am 15. Mai 2008 ; abgerufen am 9. März 2013 (englisch).
  6. The Humdrum Toolkit: Software for Music Research. In: humdrum.org. Abgerufen am 15. Januar 2018 (englisch).
  7. Erhard Karkoschka : Das Schriftbild der neuen Musik , Celle 1965
  8. John Cage, Alison Knowles: Notation , Something Else Press, 1969
  9. (Kurzer Lebenslauf Wehingers)
  10. Arno Peters: Die massstäbliche Darstellung der Tondauer als Grundlage oktav-analoger Farbnotation. Akademische Verlagsanstalt, Vaduz 1985, OCLC 216675474 .
  11. Webpräsenz des Beyreuther Musikprinzip
  12. Johannes Beyreuther : Musizieren ohne Hindernisse – Der neue Weg zur Musik. Kolbermoor 1985.